Se trata de un personaje diabólico que en la pieza del siglo XVIII aparecía acechando al religioso que le da nombre, pero que había “desaparecido” durante décadas bajo capas de pintura y barniz.

El cuadro se volverá a exhibir en Petworth House en West Sussex, Inglaterra, con el demonio a la vista.

La criatura con colmillos se puede ver en la cabecera de la cama, en las sombras, mientras el cardenal Beaufort agoniza, con el rey Enrique VI y dos hombres acompañándole.

La pintura está basada en una escena de “Enrique VI, Parte II” de William Shakespeare, y representa al cardenal, un conspirador y hombre hambriento de poder que se encamina a los últimos momentos de su muerte.

En la obra, el rey Enrique lamenta la muerte del cardenal, quien es su tío abuelo, diciendo: ‘¡Oh! “Derrota al demonio ocupado y entrometido que asedia el alma de este desgraciado”.

La inclusión de ese “demonio” en la imagen generó controversia en el momento de su creación porque algunos pensaban que Reynolds, considerado uno de los más grandes pintores de su época, no debió haber mostrado explícitamente a una criatura imaginaria

Un crítico lo describió como “demasiado ridículo y pueril para escapar a la censura”, mientras que otro dijo que “no respeta el juicio del pintor”.

Figura monstruosa

John Chu, curador nacional senior de pintura y escultura del National Trust de Reino Unido, explicó: “No encajaba con algunas de las reglas artísticas de la época tener una figura retórica poética representada tan literalmente como un monstruo”.

Los críticos argumentaron que “si bien en la literatura se consideraba aceptable introducir la idea de un demonio como algo en la mente de una persona, incluirlo visualmente en una pintura le daba una forma demasiado física”, sostuvo Chu.

Varios amigos y comentaristas intentaron persuadir a Reynolds para que no lo incluyera o, una vez terminado el cuadro, lo borrara.

Desaparecida por restauradores

A lo largo de los años, la figura en disputa se había desvanecido porque restauradores pintaron la obra de arte y le dieron numerosas capas de barniz.

Chu explicó que los primeros restauradores malinterpretaron la figura y agregó que durante décadas “esa área parece que se deterioró en pequeñas islas de pintura que se volvieron menos claras”.

“La degradación de las sucesivas capas de barniz que recibió a lo largo de los años la hicieron todavía menos visible”, indicó.

Becca Hellen, curadora nacional senior de pinturas del National Trust, indicó que las áreas alrededor del demonio fueron particularmente complejas de restaurar.

— De los cuadros que has pintado, ¿cuál es tu favorito?

— Debo decir dos: The Outsiders, que son básicamente unos tipos que están pasando el rato, y Venucube, inspirado por Pokémon.

El que habla es Andrés Valencia, la última sensación del mundo del arte: un niño de 11 años.

Conversa con BBC Mundo nada más salir de la escuela, acompañado de su madre, Elsa Valencia.

Trata de recuperar la normalidad en su San Diego natal tras haber sido durante el primer fin de semana de diciembre el centro de atención en Art Miami, una de las ferias de arte contemporáneo más importantes de Estados Unidos.

Allí, mientras la noche de la inauguración Andrés posaba para los medios y los curiosos y saludaba a coleccionistas y famosos, Chase Contemporary, la galería neoyorquina que lo representa, vendió casi toda su obra.

Sí, también la pintura de los tipos ociosos que beben y fuman y la versión cubista de Venusaur, su dinosaurio favorito del videojuego de Nintendo. Ambos, como muchos de sus otros coloridos lienzos, recuerdan inevitablemente al autor del Guernica.

Es por eso que se ganó el sobrenombre de “pequeño Picasso”.

Seis cifras

“El precio promedio de sus cuadros ronda los US$150.000“, le dice a BBC Mundo Bernie Chase, el dueño de la galería, como invitando a hacer cálculos.

Pero tener que prácticamente colgar el cartel de sold out en Art Miami no fue, en realidad, ninguna sorpresa.

Ya lo había hecho en junio durante su primera exposición en solitario en la sede de la galería en SoHo. Quienes se llevaron a casa las 35 obras expuestas pagaron por ellas entre US$50.000 y US$125.000.

Seis cifras alcanzó ese mes Ms. Cube, otro retrato de estilo cubista que pintó con apenas 9 años, en una subasta de la casa Phillips de Pury en Hong Kong, y también la obra Maya, bautizada así por la hija de Picasso, durante una gala benéfica celebrada en Capri, Italia, en julio.

Sus pinturas de trazos contundentes y perspectiva múltiple engrosan las colecciones de la colombiana Sofía Vergara, una de las actrices mejor pagadas de la TV en EE.UU., del poderoso empresario musical Tommy Mottola o de la estrella de Hollywood Channing Tatum.

Y en noviembre el cantante de BTS conocido como V compartió otro de los trabajos de Andrés con sus 50 millones de seguidores en Instagram.

“¡Gracias @andresvalenciaart por esta preciosa obra de arte! Desde que vi por primera vez tu trabajo, soy fan”, escribió junto al retrato de un hombre lloroso en tonos azules. El post ha cosechado ya más de 9 millones de likes.

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Todo esto tiene al joven californiano copando los titulares un día sí y otro también.

“Le piden entrevistas casi a diario. Nos han llamado de los talk shows principales, pero les hemos dicho a todos que no”, cuenta tajante su madre.

“Mi hijo es un artista, pero no es un celebrity. Es, ante todo, un niño“, prosigue esta psicóloga clínica de 48 años.

“Queremos que vaya a la escuela, que estudie música, que toque el piano, que aprenda a leer y escribir en español, que salga con sus amigos al parque”.

Labor benéfica

Tanto ella como su marido, Guadalupe Valencia, californianos de ascendencia mexicana y padres también de Atiana, insisten en que tratan de llevar la vida de una familia normal.

Y subrayan que las grandes ganancias de su hijo son una oportunidad más para recordarle aquello en lo que creen.

“No nacimos en la abundancia. Y yo antes de ser terapeuta clínica, fui trabajadora social durante muchos años, trabajé en casas de acogida y en entornos penitenciarios, y he visto de cerca qué es ser un desfavorecido. Nosotros somos muy muy afortunados”.

Por eso, les recalcan a sus retoños la importancia de aportar a la sociedad. Algo que, aseguran, Andrés ya trae incorporado.

Mucho de lo recaudado con su arte lo ha donado a organizaciones como amfAR y Unicef. Y más recientemente destinó el 100% de las ganancias por la venta de una impresión de su obra original Invasion of Ukrainepara apoyar a niños de ese país sumido en la guerra, a través de la Fundación Klitschko.

Esto es algo que su legión de fans aplaude, la misma que lo llama “niño prodigio”.

Un niño “distinto”

Entretanto, y aunque rehuyen a etiquetas de ese tipo, sus padres reconocen que desde muy pequeño Andrés ya era “distinto”.

“Cuando tenía unos cuatro años y dibujaba, yo solía corregirlo”, recuerda Elsa. “‘¿Andrés, tenemos dos ojos, no tres. ¿Y por qué estás haciéndole la nariz donde va la oreja? No hagas así la cara’, le decía”.

Cuenta que dejó de hacerlo después de ver a sus compañeros de primer grado embelesados con los dibujos que acababa de hacer durante la celebración de Halloween en clase.

“A partir de ese día, di un paso atrás y no volví a interferir. Simplemente le dejé ser y crear“.

Dejarle ser implicó que pasara horas haciendo bocetos en el estudio de su madre —también diseña y elabora joyas a mano— o tratando de copiar los cuadros que adornaban el salón e inspirándose en sus artistas favoritos.

“Me gusta Picasso”, dice Andrés señalando lo obvio. “Pero también (Amedeo) Modigliani y George Condo“. La influencia de las figuras alargadas del italiano de inicios del siglo pasado y la geometría del estadounidense contemporáneo también se percibe en sus acrílicos.

Andrés no ha recibido hasta ahora clases de pintura, es autodidacta.

“Llevo 20 años en el negocio del arte y esto es muy inusual”, dice Chase con orgullo. “He trabajado con tipos como Peter Beard y Kenny Scharf. Andrés tiene el potencial de ser así de grande o más”.

“Enseñar su talento al mundo”

Chase empezó a adquirir sus acuarelas cuando tenía seis años, como otros familiares y amigos.

“Solía ir a su casa los fines de semana y le compraba dibujos, pinturas”, recuerda.

— ¿Es cierto que un día de esos le pidió US$5.000 por una pintura?

— Así fue. Y hoy queda claro que salí ganando: vale 30 veces más.

“Ya en esos años vi que evolucionaba muy rápido y de forma muy orgánica. No partía de bocetos, sino que arrancaba directamente sobre el lienzo, fluía”, prosigue Chase.

Al tiempo convenció a los padres de Andrés de que había llegado la hora de que el mundo conociera sus capacidades artísticas.

Y el año pasado contactó a Nick Korniloff, el director de Art Miami, para que hiciera su debut allí.

En varias entrevistas con medios Korniloff ha recordado que al principio se mostró escéptico y que, temeroso de estar jugándose su reputación, incluso obvió la edad del artista en los materiales promocionales de la feria.

Aunque esa información no tardó en salir a la luz ni los coleccionistas y los famosos en llegar.

Y Andrés cuenta ahora también con una publicista, Sam Morris, veterana en la escena del arte y el teatro en Nueva York.

Escepticismo

Sin embargo, también hay quien —en el sector del arte y más alla — mira el fenómeno del “pequeño Picasso” con dudas, incluso con desconfianza.

Algunos subrayan que no deja de ser una bonita e inspiradora historia que cala con facilidad en una audiencia pospandémica.

Otros dudan del valor de sus obras como inversión.

“Hay demasiada gente que cree en los nuevos artistas como un tipo de activo protegido de la inflación”, le dijo en esa línea a The New York Times Alexandre Shulan, dueño de Lomex, una galería neoyorquina especializada en artistas emergentes.

“Pero la vida de cualquier artista joven va a cambiar de forma dramática con el tiempo, por lo que asumir que la inversión en un artista de 24 años va a ser longeva ya es bastante ridícula, ni qué decir cuando el artista es más joven; un niño, como en este caso”.

Otros subrayan que los niños tienden a la imitación y ven en Andrés ecos de artistas que se hicieron famosos siendo menores de edad y generaron ventas millonarias, historias que no tardaron en desinflarse.

Es el caso de Aelita Andre, una australiana que a los cuatro años tuvo su primera exposición individual en Nueva York. O Alexandra Nechita, a quien de forma similar llamaban “una Mozart con pincel”, se prodigó por programas televisivos y ganó millones con la venta de sus obras.

Más reciente fue el fenómeno de Lola June, una niña de apenas dos años por cuyos garabatos expresionistas algunos coleccionistas llegaron a pagar US$1.500.

Más oscuro es el ejemplo de Marla Olmstead, quien vendió sus cuadros por miles de dólares y su historia acaparó la atención internacional en 2005, cuando tenía apenas cuatro años. Pero dos documentales, uno con imágenes captadas con cámara oculta en su estudio puso en duda luego que las pinturas fueran obra puramente de ella o creadas en colaboración con su padre.

No es el caso de Andrés. Al californiano se le ha visto crear con trazo seguro sus obras desde cero en numerosas ocasiones. Su cuenta de Instagram, gestionada por la galería, da cuenta de ello.

“A nosotros, como a todo el mundo, no deja de sorprendernos cómo esa pequeña mente puede crear lo que crea”, dice su padre, Guadalupe Valencia.

Y se defiende: “Pero para mí lo importante es que la gente valora sus pinturas antes de saber que son hechas por alguien que tiene 11 años”.

Chase el galerista es más contundente.

“No le llamemos prodigio, pero es muy muy buen pintor. Ha avanzado en un año lo que muchos artistas no lograr en 10, y estoy hablando de gente como Condo”.

Dice que le regaló 45 libros de otros tantos artistas, desde el siglo XVI al XIX, que el chico ya ha estudiado en profundidad. “Ahora está mezclando lo que ha hecho hasta ahora y definiendo su propio estilo”.

Andrés lo corrobora. Cuenta que ahora está trabajando en un cuadro con temática de Pinocho. “Esta vez es distinta”.

Actualmente esta rama del arte lo ha llevado a retratar con la técnica de carboncillo a distintos deportistas nacionales e internacionales y a otros personajes famosos.

A corta edad mostró su talento en el seno familiar donde causó alegría y asombro. Su abuela fue la primer persona que notó su don.

Con el pasar de los años ha desarrollado su talento al ponerlo en práctica con distintas técnicas de pintura.

Ha retratado a deportistas como Kevin Cordón y Juan Carlos Plata. David, el “Gato” Guerra fue el primer deportista a quién retrató, afirma Elías.

Quizás estás pensando que eso no tiene nada de raro. Después de todo, el museo frecuentemente publica obras maestras de la Edad de Oro neerlandesa. Pero hay algo sobre esta fotografía en particular que la hace sobresalir.

La imagen presenta la obra sin enmarcar con un trasfondo gris oscuro. Se ve clara y bien iluminada pero no parece excepcional… hasta que haces clic.

Inmediatamente, la imagen se agranda y ves más detalles.

Si haces clic otra vez, te propulsa hacia la mano estirada del capitán Frans Banninck Cocq. Otro clic y te encuentras cara a cara con el líder del grupo de hombres algo molestos.

Un clic más, y puedes ver el brillo en su ojo y la textura de su barba pelirroja.

En ningún momento la imagen se desvirtúa ni se distorsiona.

A medida que sigues haciendo clics, te vas metiendo cada vez más en la obra hasta que ese ojo del capitán queda del tamaño de un puño y te das cuenta de que ese pequeñísimo brillo que viste antes no es resultado de una pincelada de Rembrandt, sino de cuatro aplicaciones separadas de pintura, cada una cargada con un tono de pintura ligeramente diferente.

Ni siquiera entonces la imagen virtual de la gran obra pierde su nitidez.

Entonces te detienes y piensas: “¡Caramba! A pesar de que probablemente nadie iba a ser capaz de notarlo, Rembrandt usó cuatro colores diferentes para pintar un minúsculo efecto de luz en el ojo de uno de muchos personajes de tamaño real representados en este retrato de grupo”.

Quizás este visionario holandés del siglo XVII previó un futuro en el que los primeros experimentos con técnicas de cámara obscura, los que quizás probó, eventualmente llevarían a una tecnología fotográfica capaz de registrar la representación visual de su gigante lienzo a un nivel de detalle más fino que el que el mismo artista podía ver.

Es, francamente, impresionante

Por ejemplo, siempre me ha gustado el perro fantasmal que se voltea y le gruñe al tamborilero que está en la orilla de la pintura. Yo había asumido que el sabueso no estaba terminado y por lo tanto no había sido querido por Rembrandt. Pero ahora puedo ver, al acercarme, que el artista no sólo le puso un elegante collar, sino que le añadió un pendiente de oro con un pequeñísimo destello de pintura roja para hacer eco del color de los pantalones del tamborilero.

Es claro que a Rembrandt le gustaban los perros.

• Las matemáticas escondidas en las grandes obras de arte

Como siempre, hay artificio detrás del arte, como verás a los pocos minutos de acercarte a “La Ronda Nocturna”.

Rápidamente se hace evidente que Rembrandt primero creó su composición maravillosamente dinámica, y luego la afinó a medida que avanzaba. Verás que hizo muchas pequeñas correcciones sombrías (pentimenti), como la parte superior de la baqueta del baterista en el extremo derecho, o en el dedo índice del alférez que sostiene la bandera de la tropa en alto.

También hay artificio en la fotografía del Rijksmuseum. No es una sola imagen como parece, sino un compuesto de 528 fotografías digitales individuales unidas a la perfección para darnos una visión completamente nueva de una de las pinturas más famosas del arte occidental.

Reversemos los clics y volvamos por un momento a la escena completa.

Los presentes

Tras firmar y fechar la obra, Rembrandt la nombró: “La compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh”.

Fue un retrato comisionado por la Compañía Militar de Arcabuceros para colgarlo en su sede.

Quienes aparecen en él (unos 18 miembros originalmente) pagaron para que se les incluyera. El capitán Cocq está en el centro con su confiable teniente Willem van Ruytenburch a su lado. Los hombres reunidos detrás de ellos llevan una variedad de armas para defenderse su vecindario.

Los arcabuces (mosquetes) eran su especialidad, un punto que Rembrandt ilustra con una secuencia surreal que va de izquierda a derecha en la pintura representando a tres mosqueteros. El primero, vestido de rojo con cuello y puños blancos, está cargando su mosquete con pólvora. El segundo, un joven parcialmente oscurecido por el brazo derecho de Cocq, dispara su arma, desordenándole las plumas al sombrero de Ruytenburch, pero sin tocarlo a él. Y el tercero, un viejo también vestido de rojo, sopla los restos de pólvora del arma disparada.

La niña con el vestido dorado no es miembro de la milicia, pero está allí como una brillante mascota simbólica. Las patas del pollo muerto que cuelgan de su cinturón representan el emblema de los Arcabuces.

La pintura estuvo colgada al principio junto a varios retratos de grupo enormes, lo que le daba a quienes visitaban la sede de los guardias una sensación de estar rodeados por hombres fuertes locales.

Posteriormente fue llevada en 1715 al Ayuntamiento en la Plaza Dam (ahora el Palacio Real), donde le tuvieron que cortar un poco a cada uno de sus cuatro lados para que cupiera por la puerta.

Obra apuñalada

La primera vez que la llamaron “La Ronda Nocturna” fue en 1897, pues el barniz que protegía la pintura estaba tan viejo y manchado que hacía parecer que era una escena nocturna.

Esa capa de barniz fue retirada hace mucho en una de las 25 o más restauraciones y tratamientos a los que la obra ha sido sometida a lo largo de los años.

• Obras de arte famosas que han sido atacadas

La más memorable fue en 1975 después de que un visitante en el museo atacó la pintura con un cuchillo causando daños graves, cuyos rastros puedes ver cuando te acercas en la nueva fotografía compuesta.

Ese es precisamente el principal propósito de la foto digital del Rijksmuseum: lanzarte en una misión detectivesca.

La imagen de 44,8 gigapixeles fue creada por el departamento de conservación del Rijksmuseum, que actualmente está llevando a cabo la que quizás es la mayor renovación a la que “La Ronda Nocturna” ha sido sometida.

Su altísima definición le permite al equipo de 12 especialistas examinar el cuadro sin necesidad de usar microscopios, para poder ver qué tienen que hacer.

La respuesta es: una cantidad enorme de trabajo.

Si te acercas a la foto podrás detectar muchísima pintura agrietada, lo cual es de esperarse. Pero si miras las caras del capitán y el teniente notarás que están cubiertos de puntos negros.

Esto no se debe a que los caballeros no se bañaran, sino al envejecimiento de las partículas de la pintura blanca, cuya capa superior se ha deteriorado y esto revela un interior oscuro. Hay miles de estos granitos minúsculos, que los conservadores deben poder reparar y con lo cual se descubrirá una vivacidad aún más grande en una pintura sumamente vivaz.

Una escena teatral

La Ronda Nocturna es una obra de arte increíble.

Pronto, cuando el Rijksmuseum pueda reabrir sus puertas, los visitantes podrán pararse una vez más frente a ella y notar el uso exagerado de la luz y la sombra que le ayudaba a Rembrandt crear más dramatismo.

De hecho, “La Ronda Nocturna” es lo más parecido al teatro que puede ser una pintura.

Como dijo el director del Rijksmuseum, es una fotografía escolar tomada antes de que todos se empiecen a formar. La obra muestra al capitán Cocq ordenándole al teniente Ruytenburch que llame la atención de sus hombres.

Capta un momento de movimiento y caos.

Eso lo puedes ver cuando te paras frente al lienzo.

Pero ahora también puedes ver, con lujo de detalles, la obra maestra que Rembrandt pintó cuando estaba en la cumbre de su fama, justo cuando su adorada esposa estaba muriendo y su vida se comenzara a deteriorar.

Entre más observas la obra más aparente es el caos. Empastes por aquí, transiciones sin terminar por allá. Es una mezcla entre la tensión del Rembrandt primerizo y la soltura del artista tardío.

Si pensabas que Van Gogh o Jackson Pollock inventaron la pintura impresionista, lo reconsiderarás cuando te acerques a los detalles de “La Ronda Nocturna”.

Es digna de contemplación.

La nueva tecnología a menudo se utiliza para tratar de darle vida al arte antiguo, lo cual, por lo general, es una mala idea. Pero el Rijksmuseum está usando la tecnología para ofrecernos una visión magnífica que ahonda nuestro conocimiento de una obra de arte verdaderamente grandiosa, ya seas un veterano o un principiante.

Y esa es una buena idea.

Con esos gritos irrumpió un grupo de manifestantes en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México este martes, en protesta contra una pintura que muestra al héroe revolucionario Emiliano Zapata en una llamativa y poco convencional pose.

Gritaban, denunciando que la pintura, que muestra a Zapata desnudo, con tacones altos y sobrero rosado, montado en un caballo con una erección.

El nieto del revolucionario, Jorge Zapata González, exige que el cuadro sea retirado.

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“Denigrante”

“Para nosotros los familiares, esto denigra la figura de nuestro general pintándolo de gay”, expresó Zapata González, añadiendo que la familia demandaría al artista y al Instituto Nacional de Bellas Artes si no retiraban la obra.

Emiliano Zapata fue uno de los líderes de la Revolución Mexicana antes de que fuera asesinado en 1919, a los 39 años. Muchos mexicanos siguen considerándolo como un héroe.

Entre los manifestantes se encontraban muchos agricultores comuneros que admiran a Emiliano Zapata -que fue un campesino pobre- por su lucha contra la apropiación de tierras por los ricos terratenientes.

Realizaron su protesta frente al museo en el centro de la Ciudad de México, algunos gritando insultos contra homosexuales, que generaron una contramanifestación de los que defienden la diversidad sexual. Hubo enfrentamientos entre ambas partes.

El término “Zapata” se ha vuelto tendencia en Twitter, con decenas de miles de usuarios expresando tanto su apoyo a la diversidad como objetando contra la pintura.

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Bloqueo

Los manifestantes dijeron que bloquearían la entrada al museo hasta que la pintura fuera retirada.

La obra, de Fabián Cháirez, se titula “La Revolución” y forma parte de una exposición que conmemora el 100 aniversario de la muerte de Zapata.

La exposición incluye 141 obras de arte de 70 colecciones. Aunque la pintura de Fabián Cháirez es de 2014 y ya había sido expuesta en otra ocasión, recibió mayor atención esta vez, cuando el Ministerio de Cultura la utilizó para promover la exhibición a través de sus páginas de Twitter y Facebook.

Fabián Cháirez expresó que la idea para la pintura se le ocurrió al notar “masculinidad glorificada” en la mayoría de las representaciones de Zapata.

“Hay algunas personas a las que les incomodan los cuerpos que no obedecen a las normas. En este caso, ¿dónde está la ofensa? Ven una ofensa porque (Zapata) está feminizado”, comentó.

Luis Vargas, el curador de la exposición, dijo que le cuadro era simplemente una representación artística que genera debates sobre los asuntos de la sociedad mexicana, incluyendo la homosexualidad.

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Los funcionarios del museo insisten en que el cuadro no será retirado, aunque los manifestantes han amenazado con regresar diariamente hasta que se cumpla su demanda.

La exposición continúa hasta febrero de 2020.

Una pintura de la Mona Lisa colgaba sobre una chimenea en un departamento de Londres en la década de 1960. ¿Es esta imagen no solo de Leonardo Da Vinci, sino también una versión anterior del famoso retrato que se exhibe en el Museo del Louvre en París?

Algunas personas están convencidas de que es así, y más de 50 años después, estalló una intensa batalla tanto por la propiedad de la imagen como por la evidencia sobre quién la pintó.

La llamada “Mona Lisa, la versión anterior“ (o Mona Lisa de Isleworth) está en el centro de un misterio que involucra a paraísos fiscales en El Caribe, las bóvedas de bancos suizos, un secreto consorcio internacional y al Sherlock Holmes del mundo del arte.

Entonces, ¿es genuina? ¿Quiénes son los propietarios legítimos? ¿Y podría el retrato en el centro de este misterio al estilo del Código Da Vinci valer cientos de millones de dólares?

Un caso judicial que se lleva a cabo esta semana en Italia finalmente puede ayudar a arrojar algo de luz sobre las respuestas a estas preguntas.

¿Una segunda Mona Lisa?

En 2012, una organización llamada Fundación Mona Lisa dio a conocer al mundo, en un resplandor de publicidad, lo que afirmó ser una segunda pintura de la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci.

Dado que la Mona Lisa es posiblemente la pintura más famosa del mundo, y su pintor es considerado como uno de los mejores artistas de la historia, tal hallazgo pondría al mundo del arte patas para arriba.

Entonces, ¿es realmente posible que pueda existir una segunda versión del retrato previamente desconocida?

La Fundación presentó una serie de pruebas para tratar de respaldar la afirmación, pero curiosamente la organización afirma que no es propietaria de la pintura.

Dice que la imagen es propiedad de un consorcio internacional no identificado. Cuando se le preguntó sobre esto, el secretario general de la Fundación, Joël Feldman, respondió: “La Fundación, como una cuestión de política y en cumplimiento de sus obligaciones, no hace comentarios sobre el consorcio propietario”.

Pero en su casa en el sur de Londres, Andrew y Karen Gilbert tienen una historia muy diferente: dicen que poseen una participación del 25% en el retrato.

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Cuando se pusieron en contacto con la Fundación Mona Lisa después de que revelara el retrato en 2012, ellos afirman que la organización dijo que “no sabía nada de nosotros, que ellos no eran los dueños y simplemente trataron de alejarnos como si fuésemos inconvenientes”.

“Porque no pudimos averiguar quién era el propietario, nadie nos decía nada. No sabíamos cómo podíamos iniciar ningún tipo de procedimiento”, dice Karen.

Esta semana hubo un avance importante en torno a la afirmación de la familia Gilbert que puede llevar a un avance en su reclamo.

¿Pero un reclamo en qué? ¿Y es posible que un retrato casi inestimable de Leonard Da Vinci salga a la luz de repente?

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La pintura de US$450 millones

Increíblemente, eso es exactamente lo que sucedió con una pintura llamada Salvator Mundi, o Salvador del Mundo.

Vendida por solo US$55 en 1958, fue comprada en una subasta por un increíble US$450 millones por un comprador anónimo hace dos años.

La diferencia, por supuesto, se debió a que la pintura fue autenticada por un equipo internacional de expertos como un Leonardo genuino.

¿Podría la pintura llamada “Mona Lisa, la versión anterior” por la Fundación seguir el mismo camino?

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“Tenía que ser un Leonardo”

“Estaba escéptico pero intrigado”, dice el profesor Jean-Pierre Isbouts desde Santa Mónica, California. La Fundación lo llevó a Suiza para ver la pintura.

“Entré en la bóveda, hacía mucho frío allí, y pasé unas dos horas con esa pintura. Pero después de cinco minutos reconocí que tenía que ser un Leonardo“.

Pero no fue solo la apariencia lo que hizo que el académico de la Fielding Graduate University en California (cuyo trabajo es recomendado por la Fundación) crea que el retrato es genuino, también fue la evidencia histórica, dice.

“Giorgio Vasari, el biógrafo de Leonardo (del siglo XVI), afirma claramente que Leonardo trabajó en la Mona Lisa durante cuatro años y luego la dejó sin terminar”.

Esto coincide con la apariencia de “Mona Lisa, la versión anterior”, que tiene un fondo incompleto, a diferencia del famoso retrato que cuelga en el Louvre.

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El profesor Isbouts también señala que los registros históricos mencionan que Leonardo pintó la Mona Lisa para dos clientes diferentes, lo que aumenta la posibilidad de que haya completado dos retratos separados, uno para cada comisión.

Agrega que las pruebas científicas parecen respaldar la afirmación de que la pintura es genuina.

“Con ‘Mona Lisa, la versión anterior’, la ciencia nos reveló que a) es de principios del siglo XVI, b) definitivamente es una composición de Leonardo porque la configuración y la composición son idénticas a las del Louvre Mona Lisa. Y c) los histogramas (los gráficos digitales de los colores utilizados) muestran que, en términos de la “escritura a mano” de la pintura, cómo el aplica la pintura, (es) es exactamente idéntica”.

Pero no todos están de acuerdo.

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“Un poco basura”

“No es un artículo real por una serie de razones”, dice Martin Kemp, profesor emérito de historia del arte en la Universidad de Oxford.

“Realmente no es serio para estar junto al propio Leonardo”.

Él piensa que la razón por la que Giorgio Vasari creía que la Mona Lisa estaba incompleta era porque “la información de Vasari era toda florentina”, y la imagen probablemente se completó después de que Leonardo hubiera salido de la ciudad de Florencia.

Y no está de acuerdo con que los registros históricos sugieran que se pintaron dos Mona Lisa.

En cambio, el profesor Kemp dice que Leonardo probablemente nunca entregó el retrato a su cliente original, y una segunda persona “bien podría haber dicho ‘si terminas eso, te lo arrebataré de las manos’, por así decirlo”.

¿Y la evidencia científica? El profesor Kemp dice que la información ofrecida por la Fundación Mona Lisa es solo “permisiva” y, aunque no descarta que “Mona Lisa,la versión anterior” sea de Leonardo, ciertamente no prueba que lo sea.

Sin embargo, agrega “el examen por infrarrojos y otros medios técnicos, muestra que (la Mona Lisa del Louvre) experimentó una evolución, como lo hicieron todas las imágenes de Leonardo”.

“El examen infrarrojo de la Mona Lisa de Isleworth (como también se le conoce) es prolijamente exacto y es claramente el tipo de dibujo que se hace cuando se copia algo en lugar de generarlo”.

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El profesor Isbouts, sin embargo, es crítico con el análisis del profesor Kemp en parte porque “Martin nunca ha visto el trabajo, y esa es la carta que tienen David y Joel (Feldman de la Fundación Mona Lisa), y creo que es legítima”.

En respuesta, el profesor Kemp dice: “El viejo dicho de que siempre tienes que ir y ver el original, incluso si es un poco basura, no es sostenible, particularmente con las técnicas de imagen modernas. Y en algunas de las imágenes digitales de alta calidad, puedes ver más de lo que puedes ver en la pintura, incluso con una lupa”.

Evidencia cambiante

Los expertos pueden estar en desacuerdo sobre la evidencia, pero ¿se ha presentado todo el material claramente?

La BBC ha visto secciones de una copia de preproducción de un libro, escrito por varios colaboradores pero editado por el profesor Isbouts, sobre “Mona Lisa, la versión anterior”, llamada “Mona Lisa de Leonardo Da Vinci: nuevas perspectivas”.

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Uno de los colaboradores afirma que en la versión final publicada parece que se han eliminado secciones de su texto. Afirma que muchos de los pasajes eliminados parecen ser que los que no son útiles para la teoría de que “Mona Lisa de Isleworth” es de Leonardo.

El profesor Isbouts niega esto: “Definitivamente edité algunos segmentos porque soy el editor. Y en algunos casos hubo pasajes que no creo que sean defendibles académicamente. Solo estaba tratando de mantener intacta la idea del argumento. Ciertamente no eliminé nada de naturaleza contraria. Hubo dos capítulos que simplemente fueron demasiado largos”.

Luego envió un correo electrónico a la BBC, habiendo contactado al colaborador para ver qué pasajes le preocupaban, y dijo: “Estamos trabajando en la versión final del libro, en tapa dura, para que podamos hacer algunas correcciones dentro del recuento de palabras disponible”.

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Una Mona Lisa, pero sin dinero

Una cosa que los partidarios de la teoría de que “Mona Lisa, la versión anterior” es de Leonardo Da Vinci tienen que explicar es de dónde salió la pintura.

Apareció de repente en 1913, cuando Hugh Blaker la compró en una casa en Somerset.

“Blaker creía que estaba en la pista de algo”, dice el profesor Robert Meyrick, de la Universidad de Aberystwyth, que estudia la vida del comerciante de arte.

A pesar de que rastreó con éxito pinturas genuinas de artistas como Rubens, Velázquez, El Greco, Manet, Constable y Turner, los negocios de Blaker a veces salían mal, y nunca logró vender su Mona Lisa.

“Realmente fue como un catálogo de fracasos, a pesar de sus mejores esfuerzos”, dice el profesor Meyrick, sobre el hombre que tuvo problemas financieros al final de su vida.

Después de la muerte de Blakers, la pintura terminó en manos de un excéntrico comerciante de arte llamado Henry Pulitzer: creía que “la Mona Lisa de Isleworth” era realmente más impresionante que su contraparte más famosa en el Louvre.

Pero Pulitzer necesitaba ayuda para tratar de convencer al mundo de que ambas eran de Leonardo.

Una mano amiga

“Comenzó a quedarse sin dinero tras promocionarlo, porque quería demostrar que era un verdadero Leonardo Da Vinci”, asegura Andrew Gilbert.

Su familia conocía a Pulitzer, le compró cuadros y también le vendió algunos.

Muestran a la BBC una serie de documentos que dicen que la familia compró una participación del 25% de la pintura en 1964. Aproximadamente una década más tarde, Pulitzer encerró el retrato en una bóveda de un banco suizo, y después de su muerte, terminó en las manos del consorcio internacional en 2008.

La Fundación Mona Lisa discrepa vehementemente con el reclamo de Gilbert, y su presidente le dijo a la prensa en julio que su caso es “infundado y no tiene mérito”.

Pero la familia siguió adelante y convocó al “Sherlock Holmes” del mundo del arte para que ayude.

“Bueno, supongo que no me importa”, dice Christopher Marinello, Director y fundador de Art Recovery International, sobre su apodo.

“Hemos recuperado alrededor de US$510 millones en arte a lo largo de los años. Todavía estamos muy involucrados en algunos de los casos más grandes en este momento en el mundo del arte, y estamos orgullosos de eso”.

Pero ¿qué piensa él de la afirmación de que la pintura en este caso podría ser de Leonardo Da Vinci?

“Sinceramente, no me importa nada de eso”, responde. “En lo que a mí respecta, este es un asunto simple de clientes que tienen un contrato de compra para esta pintura, sea la que sea”.

Es gracias a Marinello que los Gilbert (quienes dicen que no están seguros de si el retrato es un verdadero Leonardo) comenzaron los procesos legales contra la Fundación Mona Lisa en Italia mientras la pintura se exhibía en Florencia.

La conexión caribeña

Antes de la audiencia en la corte esta semana, el abogado de Gilbert, Giovanni Protti, dijo que este es el “caso más complicado e interesante en el que he trabajado”.

“Hemos tenido que entregar una orden de citación en muchos países de todo el mundo”.

Y ese trabajo ha dado sus frutos. Después de una audiencia en la corte el martes, Karen Gilbert dice: “La Fundación Mona Lisa declaró frente al juez que Mona Lisa Inc en Anguila era la dueña de la pintura”.

No hay nada que sugiera que tal arreglo implique que la Fundación o el consorcio internacional hayan hecho algo malo, pero la isla caribeña, que es un territorio británico de ultramar, es conocida por su forma discreta de hacer negocios.

“Los estamos destruyendo”, dice Karen. “Por lo tanto, sabemos que estamos en el camino correcto con la investigación que hemos realizado”.

Esto no establece que la familia Gilbert posea una parte del retrato, pero es la primera vez que la Fundación Mona Lisa revela quién es el propietario.

En respuesta a la audiencia del martes, el abogado de la Fundación Mona Lisa, Marco Parducci, dice: “La Fundación Mona Lisa no puede confirmar ni negar el reclamo, en virtud de las obligaciones legales que tiene con los propietarios, a menos que lo solicite explícitamente la autoridad judicial”.

Agrega que los reclamos de la familia Gilbert sugieren que están motivados por “interés económico y el deseo de dañar a la Fundación” y que la próxima audiencia en marzo se mostrará “que no hay caso”.

Fama

La batalla legal continuará, pero ¿qué pensaría Leonardo, el gran erudito del renacimiento, de los misterios como “Mona Lisa, la versión anterior” y los mitos que rodean su trabajo, 500 años después de su muerte?

“Oh, él estaría increíblemente encantado”, se ríe el profesor Kemp. “Estaba interesado en la fama”.

“Se habría desentendido ante algunas de las tonterías, pero ¿el hecho de que su nombre sea el más conocido en la historia de la cultura? Sí, estaría muy contento“.

500 años después de la muerte de Leonardo da Vinci, su talento sigue deslumbrando.

Estudiantes de ingeniería y arquitectos del Instituto de Tecnología de Massachusetts (MIT) hicieron una réplica de un ingenioso puente diseñado por Da Vinci y que jamás se construyó en su época.

El puente no solo resultó ser viable, sino que su construcción hubiera revolucionado la ingeniería de hace cinco siglos.

Da Vinci diseñó el puente en respuesta a un llamado realizado en el año 1502 por el sultán Bayezid II, que quería uno que conectara la ciudad de Estambul con una urbe vecina, Galata.

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Da Vinci ya era un artista e inventor conocido en esa época y envió una propuesta en una carta al sultán acompañada de un boceto.

El diseño no fue seleccionado, tal vez porque el sultán no quiso arriesgarse con una propuesta tan diferente.

Pero investigadores del MIT quisieron constatar si el puente de Da Vinci habría funcionado.

Arco aplanado

Karly Bast, recién graduada en ingeniería, trabajó con el profesor de arquitectura e ingeniería civil y ambiental John Ochsendorf y la estudiante Michelle Xie.

Los investigadores del MIT construyeron con una impresora 3D una réplica del puente a escala 1:500, que mide aproximadamente 81 cm de largo.

Los puentes generalmente se construían usando una serie de arcos semicirculares. Y para abarcar la distancia entre las dos ciudades se habrían necesitado al menos 10 muelles espaciados uniformemente para soportar toda la estructura.

Pero Da Vinci diseñó un puente con una forma totalmente diferente, de arco aplanado único.

El diseño incluía bases a ambos lados de la estructura que se extendían hacia fuera para agregar estabilidad y minimizar los movimientos laterales del puente.

Bloques de piedra

Las notas e ilustraciones originales que describen el puente no especifican qué materiales se usarían para construirlo.

Pero los investigadores del MIT concluyeron que el único material que habría proporcionado la resistencia adecuada era la piedra.

El puente habría sido construido con bloques de piedra que encajaban perfectamente y se mantenían juntas por la gravedad.

El puente real habría medido cerca de 280 metros de largo, si bien Da Vinci mismo usaba otros parámetros de medición ya que el sistema métrico no había sido inventado.

“El diseño era increíblemente ambicioso”, señaló Bast. “El puente habría sido 10 veces más largo que los puentes típicos de esa época“.

El poder de la geometría

Los resultados del estudio fueron presentados esta semana en Barcelona en la conferencia de la Asociación Internacional de Estructuras Espaciales, IASS por sus siglas en inglés.

“Es el poder de la geometría lo que habría hecho funcionar ese puente”, señaló Bast.

El diseño de Da Vinci también demuestra, según la ingeniera, que “no necesitas tecnología sofisticada para generar las mejores ideas“.

La muestra de Rowley consiste en una serie de pinturas en la que conviven los trazos de carboncillo con las pinceladas de óleo, lo que se llama técnica mixta.

Rowley también tiene una gran trayectoria como una hábil talladora de piedras, por lo que Anima Animus, también está conformada por una serie esculturas.

El contenido de esta exposición se gestó a partir de la teoría del psicólogo suizo Carl Gustav Jung,  que llevan el mismo nombre de la muestra y se refiere a que en una mujer habita un aspecto inconsciente masculino, o animus; mientras que a su vez, dentro del hombre está el anima, arquetipo femenino.

“De esto trata la exposición de trabajar estos conceptos para ser una persona integrada a la consciencia colectiva, aceptar nuestro anima animus saber que puede ser sentimental, pero también tener el valor y la fuerza”, agrega Rowley.

La muestra se puede visitar en el Palacio Nacional de la Cultura hasta el 4 de julio.

El Festival IXKIK, se presenta en su segunda edición. El Festival tiene como objetivo resaltar el trabajo y valor de la mujer, ¨Para nosotros el personaje de Ixkik, representa rebeldía, curiosidad, el animo de trascender y dar vida¨ Aseguró Vanesa Rivera, directora del Teatro Municipal de Quetzaltenango y organizadora de este Festival dedicado a la mujer. ¨No podíamos quedarnos sin manifestarnos y la forma de hacerlo es a través del arte, y manifestar nuestro desacuerdo con tanta violencia en conatra de al mujer, y muchas niñas son abusadas y no existen acciones concretas para erradicar la violencia en contra de la mujer¨. concluyó Rivera.

Vea la nota:

Del 3 al 10 de marzo se llevará a cabo en el Teatro Municipal de Quetzaltenango el Festival Ixkik’, Festival que rinde homenaje al trabajo, lucha, ternura y resistencia de las mujeres. En esta segunda edición del Festival, el diseño de la Diosa Ixkik, estuvo a cargo de la artista visual Quetzalteca, Guadalupe Sum. Todas las actividades son gratuitas con boleto, a las personas interesas en asistir a las diversas actividades pueden obtener sus boletos de cortesía en las oficinas del Teatro Municipal de Quetzaltenango.

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Video promocional del Teatro Municipal de Quetzaltenango:

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Algunas imágenes de la inauguración del Festival Ixkik’, que se llevo a cabo en Xepiacul, Antigua Santa Catarina Ixtahuacán, con fotografía, teatro, danza y documental.

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Programa de actividades, las cuales también puede encontrar en:

Facebook:  Teatro Municipal de Quetzaltenango. 

Página: https://teatromunicipalquetzaltenango.org/

Twitter: @TeatroXela

“Hay una gran probabilidad de que Leonardo realizara la mayor parte del dibujo”, afirmó a la AFP Mathieu Deldicque, conservador del patrimonio del Museo Condé en Chantilly.

“Pero queremos ser serios y científicos. No tenemos una certeza absoluta y no la tendremos nunca”, admitió.

La “Gioconda desnuda” es un dibujo al carboncillo que representa una mujer con los pechos desnudos, una tímida sonrisa, sentada en la misma posición que la célebre Gioconda del Museo del Louvre.

Se trata de un “cartón” destinado a preparar la composición de un cuadro y fue adquirido en 1862 por Enrique de Orleans, duque de Aumale, cuya colección se conserva en Chantilly.

Los exámenes con microscopio revelaron que fue dibujado por un zurdo y Da Vinci (1452-1519) dibujaba con la mano izquierda.

Durante mucho tiempo, se consideró una obra original de Da Vinci, que habría servido para ejecutar la pintura de una “Gioconda desnuda”, conservada actualmente en el museo del Ermitage en San Petersburgo.

Pero este óleo fue finalmente considerado como una simple copia de su taller, por lo que el dibujo deteriorado por el tiempo y la humedad quedó igualmente relegado a segundo plano.

La preparación de una exposición prevista en junio de 2019 en Chantilly con motivo de los 500 años de la muerte de Leonardo da Vinci condujo al museo Condé a hacer examinar este dibujo por primera vez.

“Descubrimos muchos elementos nuevos”, sobre todo, “estos trazos de zurdo”, según Deldicque.

Además, “la calidad del dibujo”, así como el uso de la técnica del esfumado tan apreciada por el artista que permite difuminar los contornos también apuntan a su autoría.

Por último, el dibujo fue modificado durante su realización, “lo que prueba que no es una copia sino una obra original del creador”, según el conservador.