Uno de los aspectos que más ha capturado la atención del público es la destreza en el dibujo que a lo extenso del formato pequeño, es capaz de plasmar una infinidad de mundos, ricos en formas, figuras, texturas y toda clase de elementos metafísicos.

La descripción de la naturaleza, la vida vegetal y animal, son la base en la que se fundamenta el diálogo del artista. Se vale de ellos para desarrollar su pensamiento, desplegando composiciones intrincadas a veces y de armónica simplicidad en otras.

A detalle, recuerda la diestra mano de los grabadores europeos antiguos que, armados de buril, realizaban un sin número de trazos precisos en dimensiones milimétricas hasta obtener texturas y volúmenes de sorprendente detalle.

Es la libertad de experimentación

Previamente el artista ha utilizado un cuaderno de apuntes en el que desarrolla una tentativa sin permitir que esto se convierta en un proceso demasiado racional, ya que eso significaría un sesgo en su libertad de experimentación y del disfrute propio.

El artista va integrando evolutivamente, cada una de las figuras y las interrelaciona dentro de la composición, y deja margen a que aparezcan en la siguiente, dándole su propia independencia sin perder un espacio asociativo simbólico.

Terreno develado es justamente un proceso en el que se devela el pensamiento del artista, su motivación y su cosmovisión. Los elementos figurativos no aparecen al azar y al contrario, son una conexión que nos trasladan de una obra hacia otra, crea un guión lógico de lectura comprensible.

Esto motiva al observador para que realice su lectura, y de forma quizá inconsciente, también devele su pensamiento en el ejercicio de observación de las piezas de Juan Ramón.

En esa circunstancia, el sujeto que observa participa activamente en la obra, volviéndose parte del fenómeno comunicacional del arte.

Su principal contenido es la observación del pasado, el presente y el futuro. La capacidad de observar lo que nos rodea y los aspectos de la conexión del mundo espiritual y el natural, sugerido así mediante la clara aparición del hombre en medio de la naturaleza, un tema recurrente en cada pieza de la colección.

Fotografía: Carlos Hernández 

Son obras de arte completas, que cumplen con una estética y argumento apegados a la intención del artista. No son cuestiones decorativas, ni mucho menos exhaustivas reflexiones abstractas, son una perfecta unión entre la calidad académica y la expresión del espíritu del creador.

El trabajo cuenta con la curaduría de Diego Ventura Puac, profesional en el medio de las artes visuales en Guatemala y gestor cultural., otorgando los fundamentos para la construcción del recorrido y lectura de la presente serie.

También puede ver: La importancia de la vida hecha mujer en la obra de Carlos Mendoza

Para el artista Carlos Mendoza, el origen de la exposición se encuentra en la problemática del femicidio en el país. El hecho es remarcado cuando las cifras de asesinatos de mujeres dejan de ser un dato estadístico y se convierten en una escena vívida.

El artista relata que hace unos años, a la altura de la 18 calle de la zona 1 capitalina, fue testigo del asesinato de una mujer. El hecho se dio con tal descaro a plena luz del día y en medio de la multitud; en medio del escándalo y el pavor, la mente de Carlos se llenó de imágenes, formas y sonidos que inundaron sus sensaciones, que se concentraron y fijaron por un elemento que se transformó en una expresión plástica: las flores.

Relata que los transeúntes circularon, luego de la primera impresión, alrededor de la víctima que yacía sobre su sangre. Al pasar cerca de ella, dejaban flores sobre el cuerpo, acción que el artista interpretó como una especie de ofrenda, observando la dualidad del gesto: el otorgar una flor como manifestación de afecto humano o bien, como celebración, y en su caso opuesto, una muestra de dolor y consuelo ante la tragedia.

Pasados los meses, quedaron en su mente una serie de símbolos y colores específicos que con el tiempo, se concretaron en argumentos visuales de su exposición anterior “Ofrendas Post mortem”, en la que manifestaba la tragedia de la que fue testigo.

La curaduría de Luis Escobar en la exposición

La presente exposición da continuidad a la serie “Ofrendas post mortem”, sin pretender una repetición de los ejercicios plásticos de aquella ocasión y, al contrario, revela un desarrollo estético y formal de la puesta en escena.

La reciente producción extrae elementos del anterior relato y se convierten en composiciones de trazo firme y una monocromía muy particular, valiéndose de tintas y carboncillo, en el que los rostros a veces andróginos, recuerdan las escenas contempladas por el autor, sin llegar a ser violentas.

Al contrario, parecieran estar apaciguando la memoria de un sueño con el vuelo de las flores y las aves. Esta es la forma en que el artista vuelve poesía su entorno, transformando en vida y belleza todo aquello que pasa a través de su espíritu.

Bajo la curaduría del Director General de Galería El Attico, Luis Humberto Escobar, la muestra se encuentra presente en el Salón del Coleccionista durante el mes de marzo y parte de abril.

El espacio íntimo del salón, permite la comunicación fluida de las obras con el público, que es finalmente uno de los objetivos del artista: dar el mensaje de contenido social, tratar de concientizar mediante una expresión plástica.

La museografía a cargo de Rubén de León, se encuentra dispuesta para generar una lectura adecuada a la obra; maneja un diálogo y armonía entre los tamaños del soporte y lo aspectos compositivos de la serie.

También puede ver: Artistas plásticos por una vida sin plástico en un festival de arte