Fue la animación que lanzó a la fama The House of Mouse (La casa del ratón), como se conoce informalmente al conglomerado multinacional Disney.

Steamboat Willie, una animación corta de 1928 mostrando las primeras versiones mudas de Mickey y Minnie, es ampliamente considerada como el momento que transformó la suerte de Disney e hizo historia en el cine.

Esas imágenes ya están disponibles al público en general en Estados Unidos, después de que los derechos de autor de Disney caducaran.

Significa que creadores como los caricaturistas ahora pueden trasformar y usar las versiones originales de Mickey y Minnie.

Es más, cualquier persona puede usar esas imágenes sin permiso o costo alguno.

Sin embargo, Disney advirtió que las versiones modernas de Mickey siguen estando protegidas por derechos de propiedad intelectual.

Mickey y Minnie

“Por supuesto que continuaremos protegiendo nuestros derechos en las versiones más modernas de Mickey Mouse y otras obras que continúan bajo los derechos reservados”, dijo la compañía.

Las leyes de derechos de autor en EE.UU. establecen que los derechos pueden estar reservados durante 95 años, lo que significa que los personajes del corto Steamboat Willie entraron en el dominio público este lunes, 1 de enero de 2024.

Ese material ya puede ser legalmente compartido, interpretado, reutilizado, readaptado y reeditado.

Las primeras versiones de Mickey y Minnie no son las únicas obras que están entrando en el dominio público este año nuevo en Estados Unidos.

Otras películas, libros, música y personajes famosos de 1928 también estarán a disposición del público estadounidense.

Entre ellos se encuentran la comedia romántica muda de Charlie Chaplin “El circo”; el libro del autor inglés AA Milne The House at Pooh Corner, que introdujo el personaje Tigger; la novela “Orlando” de Virginia Woolf; y “El amante de Lady Chatterley” de DH Lawrence.

Reino Unido tiene sus propias reglas y diferentes fechas de caducidad de los derechos de autor.

Disney ha enfrentado en varias ocasiones anteriores la pérdida de sus derechos reservados de sus caricaturas originales.

Los personajes primero estuvieron sujetos a entrar en el dominio público en 1984, hasta que el Congreso extendió el plazo por 20 años.

Antes de que la nueva fecha entrar en vigor en 2004, se aprobó una nueva extensión de otros 20 años.

“Profundamente simbólico”

Las medidas de Disney para proteger a sus personajes ocasionaron que la ley se conociera como “el Acta de Protección de Mickey Mouse”. Pero el momento finalmente llegó.

Jennifer Jenkins, directora del Centro Duke para el Estudio del Dominio Público, dijo a la BBC que se trataba de un hito “profundamente simbólico y muy esperado”.

“Lo que eso significa para nosotros es que, a partir de 2024, cualquier persona tendrá la libertad de copiar, compartir o crear a partir de esas caricaturas originales de 1928 y los personajes dentro de ellas”, expresó.

Jenkins dijo que el momento era particularmente significativo por el “rol aparente” que tuvo Disney en la extensión del período de derechos reservados, que evitó que sus propiedades intelectuales entraran en el dominio público por tanto tiempo.

Disney todavía mantiene una marca registrada de Mickey como identificador y mascota corporativa. Eso quiere decir que todavía hay límites a cómo el público puede usar esas imágenes, señaló Jenkins.

“Lo que no puedo hacer es empezar a crear mercancía y el mismo tipo de productos que Disney vende”, explicó.

“Así que, si estoy vendiendo playeras con Mickey y Minnie impresas, y alguien ve esas playeras y cree equivocadamente que está comprando un producto de Disney, eso es lo que la marca registrada evita”.

De manera que cualquier uso de Mickey Mouse que dé la impresión que pertenece a otra marca diferente a Disney todavía crearía problemas de derechos reservados.

Jack Kendall, un creador de contenido digital de 32 años, en el condado de Warwickshire, Inglaterra, que administra un canal de YouTube que explica noticias relacionadas a Disney, cree que alguien intentará adaptar a Mickey y Minnie en una película de horror.

Lo comparó a lo que pasó cuando el personaje Winnie the Pooh entró en el dominio público y fue convertido en un filme de horror para mayores de edad llamado Blood and Honey (“Sangre y miel”), una de las películas con la peor crítica del año.

Kendall, que tienen más de 168.000 suscriptores a su canal DSNY Newscast, piensa que Disney querrá evitar más batallas legales, dado que la empresa ya se ha convertido en “un foco de atención política en la cultura popular”.

“Pero también van a querer proteger sus dos personajes más identificables”, le dijo a la BBC.

Él sostiene que el uso activo de Disney de las versiones de marca registrada de Steamboat Willie en la mercancía, nuevos cortos animados y hasta en el logo teatral de los estudios, es “la manera de Disney para salvaguardar los personajes en caso de que quieran tomar el camino legal contra cualquier uso flagrante de los personajes”.

Un portavoz de Disney afirmó que desde la primera aparición de Mickey Mouse en 1928, el público ha asociado el personaje con la compañía.

“Eso no cambiará cuando caduquen los derechos reservados de la película Steamboat Willie”, dijo.

“Las versiones más modernas de Mickey continuarán no estando afectadas por la caducidad del los derechos reservados de Steamboat Willie, y Mickey seguirá jugando un papel protagónico como embajador global de la compañía Walt Disney en nuestras historias, atracciones de parques de diversiones y mercancías”.

La compañía añadió que “trabajaremos para protegernos de la confusión para el consumidor ocasionada por el uso no autorizado de Mickey y de nuestros otros personajes icónicos”.

Información adicional de Leisha Chi-Santorelli.

Por más avanzada que sea la tecnología detrás de la inteligencia artificial, jamás podría capturar la esencia de Mickey Mouse, afirma el hombre que da voz al mítico personaje.

Como parte de la celebración por los 100 años de Disney, AFP conversó con animadores, archiveros y el actor Bret Iwan, quien vocaliza a Mickey sobre el pasado y futuro de la compañía, abarcando temas como el potencial para la inteligencia artificial (IA), un tema que está en boca de todos en Hollywood.

“Por supuesto que la IA desarrolla una tecnología impresionante. Es increíble“, dijo Iwan.

“Pero no creo que pueda reemplazar el corazón de un personaje, y aún más importante, el corazón de la narrativa“.

La inteligencia artificial y la amenaza que supone para las profesiones en la industria del entretenimiento se han vuelto temas constantes de discusión este verano en Hollywood.

La visita de AFP al enorme estudio de Disney cerca de Los Ángeles ocurrió durante el segundo mes de la huelga de guionistas causada, entre otras cosas, por el temor a ser reemplazados por la IA.

El asunto también está entre las demandas que negocian los actores de Hollywood, quienes están a un paso de llamar a una paralización si los estudios, incluyendo Disney, no aceptan sus condiciones antes del 12 de julio.

Pero para Iwan, el personaje y la narrativa “es única de un artista, un guionista, un animador, un creativo”.

“Quiero creer que esto prevalecerá y mantendrá a la gente de carne y hueso en el trabajo por algún tiempo“.

Por increíble que parezca, él es uno de las apenas cuatro personas que le han dado voz a Mickey, conocido por su tono agudo.

El falsete de Mickey recayó primero en el fundador de la compañía, el propio Walt Disney, quien protagonizó “Steamboat Willie” (1928). Después, otros dos hombre le dieron voz durante más de tres décadas.

“Espero hacer esto hasta cuándo sea posible“, dijo Iwan refiriéndose a sus cuerdas vocales.

“Replicar el realismo”

Mientras tanto, en el mundo de la animación -(tal vez la manifestación artística más asociada a Disney) el rol de computadoras sofisticadas ya está bien establecido.

La animación generada por computación ha superado el tradicional dibujo a mano, tanto en Disney como en los estudios rivales, convirtiéndose en la principal metodología.

Por ahora, los humanos continúan a cargo de diseñar y crear las películas, pero el uso reciente de la IA para generar la secuencia inicial de la serie de Disney+ “Secret Invasion” desató la polémica.

Eric Goldberg, el legendario animador de Disney que diseñó al Genio en “Aladdin” y que defiende la animación hecha a mano, no ve la IA como una amenaza en su campo de trabajo.

“Creo que la IA podría afectar mucho más a la animación computarizada que a la hecha a mano, porque la IA se centra en replicar el realismo“, dijo.

“¡No puedes crear con IA personajes como los que yo creo: la cabeza del Genio que se vuelve un tostador!“.

“Por lo que el diseño a mano nos da un poquito más de ventajas en ese sentido“.

Goldberg acaba de culminar el entrenamiento de un año de cinco nuevos aprendices de diseño a mano, y cree que siempre hay “un grupo que quiere ver animación hecha a mano”.

“Porque tenemos que usar nuestra imaginación muchísimo para representar personajes dibujados a mano. Por la flexibilidad de que lo que ellos pueden hacer, no creo que la IA será un problema para esta forma de arte”, dijo Goldberg.

“¡Siempre y cuando haya gente lo que quiera seguir haciendo!”.

La atracción de un enorme dragón en el parque temático de Disney en Anaheim (California) se incendió la noche del sábado 22 de abril sin dejar heridos, según informaron las autoridades, que investigan las causas.

Las redes sociales muestran imágenes de las cabeza del dragón de Fantasmic! en llamas, las cuales se iban extendiendo a toda la estructura.

Los visitantes fueron evacuados de la isla Tom Sawyer, donde se presenta el espectáculo, según informó Disneyland.

“Vimos algunas pequeñas explosiones saliendo de la cabeza, y luego, de repente, todo el dragón fue engullido, y luego, de repente, el trabajador (de Disney) comenzó a salir escoltando a todos por seguridad”, dijo una visitante al canal ABC.

Just watched Fantasmic Dragon catches on fire at Disneyland #disney pic.twitter.com/49yTBA2MR7

— mlg (@MelissaLeeGiles) April 23, 2023

La atracción Fantasmic!, de 45 pies de altura (unos 13 metros) debutó en Disneyland en 1992 y se presenta dos veces por noche en la isla de Tom Sawyer.

I'm very glad no one was harmed in the Fantasmic fire last night, mostly for the obvious reasons but also because it means I have no guilt when I call this image the most amazingly metal thing I've ever seen in my life. pic.twitter.com/78QfLqzUi5

— Grunkle Stunkle Wins the Funkle Bunkle! (@tonygoldmark) April 24, 2023

Usa efectos especiales de agua y fuego para contar la historia de Mickey Mouse como el aprendiz de brujo, intercalados con clips de películas clásicas de Disney.

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The Mandalorian, la serie más exitosa del universo Star Wars, regresa con su tercera entrega después de aquella conmovedora escena en la que Din Djarin (Pedro Pascal) se quitó el casco para que Grogu pudiera verle la cara a su padre.

La producción, que estrenó el miércoles 1 de marzo el primer capítulo de su tercera temporada en la plataforma Disney+, vuelve ahora con un reencuentro galáctico entre el otrora solitario cazarrecompensas Djarin y Grogu, quienes se embarcan en un viaje que los juntará con viejos aliados y nuevos enemigos.

Rodeada de un ambiente de completo secretismo, los productores ejecutivos de The Mandalorian, Jon Favreau y Dave Filoni, solo habían desvelado antes del lanzamiento que, para entender el inicio de esta nueva aventura, era necesario haber visto la serie derivada The Book of Boba Fett, cuyos capítulos se emitieron durante 2022.

“El grupo de mandalorianos al que pertenece Djarin es muy tradicional. Él va a tener que lidiar con eso y elegir estar con otros mandalorianos que no llevan casco o redimirse volviendo a Mandalore, que está en ruinas”, detalló Favreau en una entrevista con EFE previa al estreno.

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No obstante, el quinto y sexto episodio de The Book of Boba Fett apuntaba ya hacia la nueva meta de Mando: dónde, cómo y acompañado de quién debía acometer este objetivo.

Antes, al final de la segunda temporada de The Mandalorian, Djarin había derrotado a Moff Gideon (Giancarlo Esposito) en un combate y se quedó con su sable láser, pero se mostró tan incapaz de usarlo que acabó hiriéndose a sí mismo.

Entonces, se reunió con la armera de Glavis Ringworld (interpretada por Emily Swallow), quien le explicó la maldición que rodeaba al arma y por qué debía purificarse si quería gobernar Mandalore después de haberse quitado el casco.

La trama es hilada con la escena de Grogu en The Book of Boba Fett en la que abandona su entrenamiento junto a Luke Skywalker para elegir enfundarse la armadura “beskar” y regresar con Mando.

Aunque Favreau avisó de que el reencuentro será “un poco diferente” porque Grogu “ya no es un indefenso bebé Yoda sino alguien que ha sido adiestrado por el maestro de entrenamiento Jedi más poderoso de la galaxia”.

Además, esta nueva andadura tampoco será fácil porque, entre otros problemas, Mando tendrá que adaptarse a su nueva nave después de que la Razor Crest fuera destruida y la mecánica Peli Motto (Amy Sedaris) le ayudara a construir otra con menor espacio de almacenamiento.

En cualquier caso, el aclamado actor chileno Pedro Pascal volverá a encarnar a Djarin y a hacer disfrutar al público con su relación con Grogu.

Una sintonía que Filoni definió como “una pareja dispareja” en la que “muchos se ven reflejados como padres e hijos”, y que exhibe a “un mandaloriano acorazado y a un niño fuerte”.

Los creadores de The Mandalorian han manifestado en diversas declaraciones públicas que en la tercera temporada querían hacer algo “diferente y dinámico”, volviendo a Mandalore para explorar el sentimiento de este pueblo y sus anhelos de “esperanza con mayor positivismo”.

El trasfondo de la serie ahonda en asuntos trascendentales acerca de cómo el lugar de nacimiento puede marcar el desarrollo y el sistema de valores de alguien, así como su entereza para afrontar desafíos posteriores.

The Mandalorian estrenará un nuevo capítulo cada miércoles durante las próximas semanas y, según explicó Filoni a EFE, irán analizando cómo avanza la historia y si habrá más temporadas porque, “aunque haya un final tipo en mente”, sería “increíblemente triste no continuar con esta aventura y estos personajes”.

Ramírez se popularizó entre la comunidad nacional e internacional luego de la película animada Coco (2017), para la que sirvió de inspiración del personaje “Mamá Coco”, la abuela del protagonista.

A su funeral han asistido todo tipo de personas, desde familiares hasta curiosos, mientras su féretro, al fondo de su hogar, se llena cada vez más de adornos florales que adornan una foto suya, en la que se inscribió “Mamá Coco” en la parte superior izquierda.

La mujer mexicana, nacida en 1913 en el pueblo purépecha de Santa Fe de la Laguna, falleció a los 109 años por complicaciones de salud por Enfermedad Pulmonar Obstructiva Crónica (EPOC) y daño renal, según sus familiares.

De acuerdo con medios locales, su nieta Verónica Hernández refirió que la salud de Ramírez comenzó a deteriorarse una semana atrás.

La también alfarera y madre de tres hijos, fue atendida en su casa por un médico particular, pero la tarde de este domingo falleció al interior de su hogar.

La familia Ramírez anunció la tarde del domingo sobre su fallecimiento por medio de su página de Facebook, que contaba con más de 10 mil seguidores, situación que conmocionó a internautas, a locales e incluso a funcionarios de Gobierno, quienes expresaron sus condolencias.

Aunque el parecido de María Salud con el del personaje de “Mamá Coco” en el filme de Pixar parece innegable, el gigante del entretenimiento nunca reconoció oficialmente que la inspiración hubiera nacido de ella, situación que contrasta con las declaraciones de personas que trabajó en el filme, quienes confesaron haber viajado por México y hablado con familias para la realización de Coco.

De acuerdo con su nieta Verónica, entrevistada por medios locales, Nana Salud, como también se le conocía en su natal pueblo, decidió no realizar ninguna acción para ser reconocida por la empresa productora internacional.

Dijo que le gustaba charlar y que la visitaran, aunque sus movimientos eran mínimos y apenas salía a tomar el sol a su longeva edad.

Doña María Salud será velada todo el día lunes 17 de octubre y para el martes 18 se organizó una misa de cuerpo presente, previo a su entierro en el panteón de su natal pueblo.

Tras una longeva historia de vida, la mexicana María Salud Ramírez Caballo murió este 16 de octubre del 2022 a los 109 años.

La mujer pasó a la historia no solo por la edad que logró alcanzar, sino por haber inspirado al personaje de Mamá Coco, en la película animada de Disney Pixar Coco, la cual fue estrenada en 2017.

El deceso de María Salud Ramírez Caballo fue revelado a través del perfil de Facebook de la Secretaria de Turismo del Estado de Michoacán en México.

En la publicación pueden leerse las condolencias de distintas personas. Entre los mensajes compartidos destacan algunos que referencian directamente a Ramírez Caballo con el personaje de la película de Disney.

Entre los comentarios destacan algunos que dicen: “Buen viaje de regreso a casa mamá coco gracias por todo”, “Mucha luz en su camino para Mamá Coco” y “Gracias por inspirar. Descanse en paz.”

También se notificó que la mexicana había fallecido en la localidad de Santa Fe de la Laguna, en el estado de Michoacán.

Roberto Monroy, quien funge como Secretario de Turismo del Estado de Michoacán, dirigió también algunas palabras luego de la muerte:

Lamento profundamente el fallecimiento de Doña María Salud Ramírez Caballero, “Mamá Coco”, mujer incansable y ejemplo de vida, quien fuera inspiración para este amado personaje que dio la vuelta al mundo. Mis oraciones para su descanso y para que su familia encuentre resignación

— ROBERTO MONROY G (@robertomonroy1) October 16, 2022

María Salud Ramírez Caballero nació en 1913. Al haber llegado a la adultez, las autoridades comunales y municipales la reconocieron como “embajadora de los artesanos” de la región en Quiroga, Michoacán.

Su figura ya se había popularizado en el área pero tiempo después fue reconocida internacionalmente ya que inspiró la creación Mamá Coco en la película de Pixar.

Tras el éxito del filme, personas de distitntas partes del mundo que llegaban a Michoacán aprovechaban a saludar a María Salud quien ya es un ícono.

Luego del anuncio de su muerte, diversas reacciones no se hicieron esperar en redes sociales:

Fallece Doña María Salud Ramírez Caballero, quien fuera referencia para el personaje de “Mamá Coco”.

Se critica que en sus últimos años, la "usaron" de "atracción" y se le "explotó" para beneficio de sus familiares.

¿Qué opinan sobre ello? pic.twitter.com/HQ2zrQGcwK

— Mariano (@MayacoBM) October 16, 2022

Aún con un tinte de simpatía y humor, la tristeza estuvo presente:

https://twitter.com/OswanRua/status/1581814959893532672

Para la mayoría de las personas, Pinocho es sinónimo de la película de animación de Disney sobre una marioneta de madera cuya nariz puntiaguda crece cada vez que dice una mentira. Pero el relato original no trata principalmente de la mentira. Sí, Pinocho dice mentiras, pero eso forma parte de su mal comportamiento.

Dos nuevas versiones de Pinocho, una de Disney dirigida por Robert Zemeckis, con Tom Hanks en el papel de Gepetto, y otra del cineasta mexicano Guillermo del Toro para Netflix volverán a acercar al gran público este clásico italiano.

La historia de la marioneta más famosa del mundo está en las antípodas de la edulcorada versión que en 1940 presentó al mundo Disney. Lejos de ser una figura ingenua y despistada, Pinocho es un personaje muy contradictorio.

Las aventuras plasmadas en papel por el escritor italiano Carlo Collodi navegan entre el moralismo y el humor negro. Sus peripecias no caen en el sentimentalismo, sino que reflejan los problemas de la Italia del siglo XIX.

“En la historia original hay como una especie de oscuridad”, explica a BBC Mundo Roberto Vezzani, de la Fundación Nacional Carlo Collodi.

“La historia fue escrita en un momento en el que la reunificación italiana había tenido lugar veinte años antes. El país estaba sufriendo para encontrar la reunificación real. Había mucha pobreza y muchos problemas sociales. De esta manera, la historia, que normalmente se considera una historia infantil, en realidad refleja los problemas de esa época en Italia”, detalla Vezzani.

“Las versiones de Disney siempre son un poco edulcoradas y aplacan las versiones originales de los libros infantiles que se escribieron entre los siglos XVII y XIX, que son siempre cuentos más oscuros, más tristes y desoladores que las versiones de Disney”, explica a BBC Mundo Fredy Ordóñez, traductor de una versión colombiana de Pinocho.

“Esto tiene que ver con que el concepto de niños que tenemos ahora no existía en ese momento. No diferenciaban la psicología infantil de la adulta. Son cuentos muy crudos y muy reales”, agrega.

De esta manera, el libro incluye numerosas escenas y aventuras que quedaron fuera de las versiones cinematográficas.

“Me impresionó mucho la crudeza, la violencia de algunas escenas como, por ejemplo, cuando Pinocho apoya los pies en un brasero y se le queman mientras duerme. Es una escena terrible”, comenta al respecto a BBC Mundo Francesca Barbera, traductora de la versión publicada recientemente por la editorial chilena La Pollera.

Origen del libro

Carlo Collodi (1826-1890), pseudónimo de Carlo Lorenzini, nació en Florencia, donde su padre era cocinero de una familia aristocrática.

Tras pasar como voluntario por el ejército toscano durante las guerras italianas de independencia de 1848 y 1860, fundó un semanario satírico, “Il Lampione”, cuya intención era “iluminar a quien anda en tinieblas”.

El 7 de julio de 1881 publicó en formato serie, en el Giornale per i bambini (Diario infantil), los primeros capítulos de “Historia de una marioneta”, que fueron recopilados dos años más tarde en un libro titulado “Las aventuras de Pinocho”.

“Collodi era una persona desencantada. El texto está permeado por una fe y una desesperanza al mismo tiempo. Hay una sátira, una crítica a la clase social, crítica a la justicia, crítica a este afán de enriquecerse”, analiza Barbera.

Pero en un primer momento Collodi no quería extender mucho las aventuras de la marioneta. Tenía previsto su final en el capítulo 15, cuando la Zorra y el Gato ahorcan a Pinocho de un gran roble para robarle sus monedas de oro.

“Y no tuvo aliento para decir más. Cerró los ojos, abrió la boca, estiró la pata y, dando una gran sacudida, se quedó tieso”.

Pero los jóvenes lectores no estaban de acuerdo con este final y mandaron numerosas cartas al diario pidiendo más capítulos de Pinocho.

¿Por qué terminar así con Pinocho? Vezzani cree que “Collodi quería terminar la historia en una especie de objetivo moralista, en el sentido de que si no actúas como un buen chico, puede pasarte algo malo”.

Finalmente, lograron convencer a Collodi para que continuara la historia, que acabó convirtiéndose en un inmenso éxito en todo el mundo, aunque Collodi murió antes de poder verlo.

Reflejo de una época

A través de las aventuras de Pinocho, Collodi nos acerca los problemas de su tiempo.

“Lo que es distintivo de la novela original es que se puede ver la imagen de la Italia de esa época, pero al mismo tiempo la novela es universal. Todo el mundo puede reconocer algo del libro en sus vidas. Esto explica por qué es el libro más traducido del mundo, después de los libros religiosos”, comenta Vezzani.

La historia de Pinocho muestra los estragos de la pobreza y las dificultades para salir adelante.

“—¿Cómo se llama tu padre?

—Geppetto.

—¿Y qué hace para ganarse la vida?

—Ser pobre.

—¿Y gana mucho?

—Gana lo suficiente para no tener nunca un centavo en el bolsillo.”

Lejos queda la imagen que Disney hizo de Geppetto, un relojero bonachón sin graves penurias económicas.

En el libro original, no sólo no tiene nada que llevarse a la boca, sino que no es relojero, sino un simple carpintero. Además, si bien lo muestra como un tierno viejecito, sus vecinos lo califican como “un verdadero tirano con los niños”. Este tipo de contradicciones se convierten en algo habitual a lo largo del libro.

“Podemos ver una sátira de la corrupción y críticas de las clases sociales, pero al mismo tiempo también se pueden ver los problemas que estaba experimentando Italia en ese momento como, por ejemplo, el problema de la pobreza. Geppetto sufre estragos para conseguir comida. Y Pinocho igual. La población italiana también experimentaba esos estragos. Esto se pierde en las versiones cinematográficas como en la de Disney”, indica Vezzani.

“Collodi fue capaz de crear una historia para niños, que también dice algo profundo acerca de la sociedad, acerca de la dificultad de convertirte en adulto. Creó Pinocho cuya humanidad es excepcional”, agrega.

Grandes diferencias

Junto con Pinocho, Pepito Grillo también se alza como uno de los personajes más queridos por el público infantil, conocido como la voz de la conciencia en la versión de Disney. Sin embargo, al principio del libro Pinocho lo mata cuando le está sermoneando.

“Dichas estas últimas palabras, Pinocho saltó enfurecido y, agarrando del mostrador un martillo de madera, lo lanzó contra Pepito Grillo. Quizás no contaba con darle, pero desgraciadamente le dio, y por la cabeza, tanto que el pobre Grillo apenas tuvo el aliento para decir cri-cri-cri y quedar estampado contra la pared.”

A partir de ese momento, sólo se asoma en algunas ocasiones, pero en espíritu. “Eso es algo que no haría nunca Disney porque podría ser considerado como algo muy oscuro“, señala Vezzani.

También el hada del pelo turquesa es buena, pero tortura a Pinocho haciéndole creer que ha muerto por su culpa.

“Aquí yace la niña del pelo turquesa que murió de dolor tras haber sido abandonada por su hermanito pinocho”

La figura del hada madrina tiene así en el libro un tinte un tanto lúgubre en algunas ocasiones.

“Me impresionó mucho la mezcla de esta presencia de la muerte siempre muy seguida de la risa, de la comedia, y me pareció una cosa muy adulta, como desencantada con el mundo”, explica Barbera.

“Es una historia de aventuras en las que Pinocho vive numerosas peripecias, algunas de las cuales se hicieron muy famosas por las adaptaciones al cine como la de Disney, pero en la novela original hay múltiples personajes y aventuras, algunas de las cuales nunca se incluyeron en las adaptaciones cinematográficas. Podemos ver que la historia original tiene muchos episodios que la gente no conoce porque sólo están en la novela”, apunta Vezzani.

Para todos aquellos que aún no han leído el libro, cuando lo hagan descubrirán que es “un texto que puede decirnos a todos algo sobre lo que es ser humano, lo que es transformarse en ser humano, lo que es crecer”, concluye Barbera.

El pasado 9 de septiembre Disney inició la convención D23 Expo en donde se presentaron sus próximos avances de películas y series, además de contenido relacionado con Marvel y Lucasfilm.

La exposición, llevada a cabo en el Centro de Convenciones de Anaheim, California presenció la llegada de miles de fanáticos que esperaban con ansias los planes a futuros de sus franquicias favoritas.

La exposición terminará el próximo 11 de septiembre, por lo que todavía quedan muchos anuncios pendientes por parte de la compañía del ratón.

Uno de los avances que más llamó la atención de la exposición fue el tráiler Live Action de La Sirenita, protagonizada por  Halle Bailey. La cinta tiene prevista una ventana de lanzamiento para el 23 de mayo del 2023.

Otro de los anuncios destacados fue el de la secuela de la película de Pixar Intensamente, lanzada en 2015.

Oh JOY! Amy Poehler is back to star in Inside Out 2. Directed by Kelsey Mann, produced by Mark Nielsen, and written by Meg LeFauve, Disney and Pixar’s Inside Out 2 releases Summer 2024. pic.twitter.com/vNgJjd1Q2w

— Disney D23 (@DisneyD23) September 10, 2022

Mufasa, la secuela de la película live action que salió en 2019 y que es una nueva versión del filme de 1994 también se presentó en el D23.

Mufasa: The Lion King. 2024. pic.twitter.com/7rhorK8oLF

— Disney D23 (@DisneyD23) September 9, 2022

Con respecto a nuevas producciones, Pixar anunció su nueva película Elio, que trata a un niño de 11 años que no consigue encajar en su entorno, pero que accidentalmente se convierte en el embajador del planeta Tierra al tener un encuentro extraterrestre.

Marvel

La D23 mostró este 10 de septiembre nuevo contenido con relación al Universo Cinematográfico de Marvel, tanto en películas como en series de televisión.

Una de las sorpresas de la convención fue la aparición de Charlie Cox y Vincent D’Onofrio para presentar Daredevil: Born Again. La nueva serie del justiciero de Hell’s Kitchen, que nos trae de vuelta a  los personajes de Matt Murdock y Wilson Fisk. Se prevé su ventana de lanzamiento para el 2023.

También se presentó la serie de televisión Secret Invasion, con el regreso de Samuel L Jackson como Nick Fury para 2023. Además se presentaron mayores detalles sobre la segunda temporada de Loki.

"I'm the last person standing between them and what they really want."
Marvel Studios' Secret Invasion, an Original series, streaming 2023 on @DisneyPlus . pic.twitter.com/1bnG4KBL0D

— Disney D23 (@DisneyD23) September 10, 2022

Marvel también compartió un tráiler de la nueva película Antman and The Wasp: Quantumania. Sin embargo, el avance solo se mostró de forma presencial.

We can do this all day
The Marvel Studios Panel kicks off at #D23Expo! pic.twitter.com/L72z55lAhC

— Disney D23 (@DisneyD23) September 10, 2022

Los directivos de Marvel aseguraron que esta película de Antman estará directamente relacionada con la próxima película de los Vengadores, llamada Avengers: The Kang Dynasty.

Finalmente de dieron nuevos avances de otras cintas y series como Thunderbolts y Captain America: New World Order, Werewolf By Night yThe Marvels.

𝔚𝔢𝔯𝔢𝔴𝔬𝔩𝔣 𝔟𝔶 𝔑𝔦𝔤𝔥𝔱

Watch the brand-new trailer for Marvel Studios’ Special Presentation: Werewolf By Night, streaming October 7 only on @DisneyPlus. pic.twitter.com/XYIGMVG6dE

— Disney D23 (@DisneyD23) September 10, 2022

Star Wars

En el panel de Star Wars se presentaron principalmente continuaciones de series populares como The Mandalorian y The Bad Batch, que serán estrenadas en 2023.

“You are a Mandalorian no more.”

The new season of #TheMandalorian starts streaming in 2023 on @DisneyPlus. pic.twitter.com/2w6UcQYJKK

— Disney D23 (@DisneyD23) September 10, 2022

Sin embargo, el anuncio estelar del panel de las producciones de Lucasfilm fue el avance de Andor.

All for the Rebellion. Watch the brand-new trailer for #Andor, an Original series from Star Wars, and experience the three-episode premiere streaming September 21, only on @DisneyPlus. pic.twitter.com/isfNyHFEmL

— Disney D23 (@DisneyD23) September 10, 2022

Belinda ha dejado claro a través de las redes sociales la buena relación que tiene con su madre, llamada Belinda Schull.

De hecho, en muchas ocasiones la intérprete ha asegurado que su progenitora es una persona importante para ella, y que la ha ayudado tanto en su carrera profesional como en su vida privada.

Esto quedó demostrado recientemente cuando la cantante y actriz compartió en sus redes acerca un viaje que hizo por su cumpleaños a Walt Disney World de Orlando, Florida, acompañada de su madre.

Sin embargo, Belinda aprovechó el viaje para jugarle un broma pesada a su madre, ya que la convenció de subirse a una de las atracciones más fuertes del parque: La montaña rusa Everest.

Esto quedó demostrado en un video que subió Belinda a su red social de Tik Tok el pasado 25 de agosto, y que cuenta con más de 13 millones de visualizaciones y un millón de reacciones.

Dicho metraje muestra a madre e hija a punto de subirse a la montaña rusa, mientras Belinda le dice a su madre que “no es una atracción fuerte”.

@belindatok

No es nadaaa!! Que tanto confían sus papás en ustedes?

♬ sonido original – Belinda

“Papá, mamá se va a subir al Everest“, son las primeras palabras que se escuchan de Belinda en el video.

Belinda Schull, con una expresión de preocupación, le pregunta a los demás visitantes del parque si la montaña rusa a la que se va a subir es una atracción “fuerte”. A lo que todos dicen al unísono “no”.

“No es el más fuerte, ¿Cuánto quieres apostar a que no? ¿Confías en mí?, no va a ser fuerte“, le responde Belinda a su madre.

Ya abordo del vagón de la montaña rusa, la madre de Belinda, a último minuto, se quiere bajar de la atracción, a lo que todos le gritan que no se baje. “¡No mamá! ¡Confía en mí!” se logra escuchar a Belinda.

Los siguientes segundos del video muestran la expresión de miedo en la cara de Belinda Schull, mientras su hija le dice que no hay nada de qué temer y que no sea “exagerada”.

“¡Mamá, no es nada!, mira que bonitas las vistas“, dice Belinda a su madre cuando se encuentra en el punto más alto de la atracción.

En un momento de la atracción, el vagón de la montaña rusa comienza a ir en reversa, esto pone más nerviosa a Belinda Schull, quien no dudó en gritar del miedo.

Al final del video, cuando el vagón de la montaña rusa empieza a detenerse, Belinda le dice a su madre que la atracción “no fue horrible”. Mientras su madre le dice, entre enojada y nerviosa que se sintió mareada.

Como parte del acuerdo, la plataforma Disney+ estrenará en 2023 BTS Monuments: Beyond The Star, una serie que, mediante entrevistas e imágenes de archivo, permitirá conocer la trayectoria del grupo en los últimos nueve años, desde su origen hasta su confirmación como un fenómeno global sin precedentes.

Además, Disney también presentará la cinta BTS: Permission To Dance On Stage, sobre los cuatro conciertos seguidos que dieron a finales de 2021 el SoFi Stadium de Los Ángeles, con los que vendieron más de 214 mil entradas y firmaron la gira más taquillera de la última década.

Finalmente, V, uno de los integrantes de BTS, estrenará en solitario un programa de viajes junto a otras estrellas de su país como Seo-jun Park, Woo-shik Choi, Hyung-sik Park y Peakboy.

La compañía no ha publicado las fechas concretas de los estrenos ni los detalles económicos del acuerdo, que ha descrito como una colaboración “ambiciosa” con talento de primer nivel para audiencias de “todo el mundo”.

Hace un mes, los miembros de BTS tuvieron que desmentir que fueran a separarse después de que anunciaran en un video que iban a centrarse en proyectos individuales y aparcar sus actividades como conjunto.

Lo confuso del mensaje inicial obligó a la empresa que creó y aún representa al conjunto musical, Hybe, a publicar un comunicado que aseguraba que “BTS no se están tomando un descanso” y “sus integrantes se centrarán en sus proyectos personales”.

La noticia llevó a que la empresa tocara su mínimo histórico en bolsa, tras lo que tuvo que enviar correos electrónicos a sus empleados explicando que el grupo no se iba a separar.

Muchos creen que los siete miembros de BTS pueden aprovechar este futuro lapso más centrado en sus proyectos personales para cumplir con el servicio militar, que dura entre 18 y 21 meses y es obligatorio para todos los varones hábiles surcoreanos.

Jin, es el miembro de más edad del grupo, tiene de plazo para presentarse a filas como tarde el próximo diciembre, mes en el que cumple 30.