Hace 50 años, la historia de una niña poseída por un espíritu maligno causó un verdadero pandemónium que trascendió las salas de cine.

Dirigida por William “Bill” Friedkin -y basada en la novela homónima de William Peter Blatty-, “El exorcista” se convirtió en un verdadero fenómeno cultural.

Desde que se estrenó el 26 de diciembre de 1973, millones hicieron colas para verla, fue prohibida en varios países y se reportó que no pocos espectadores que se desmayaban o vomitaban de miedo.

Un artículo del New York Times reseñó que los revendedores ofrecían entradas por US$50, y que un guardia de seguridad recibía ofertas de US$110 (unos US$768 en dinero de hoy) de gente que le pedía pasarse al frente de la fila.

Mark Kermode, reconocido crítico de cine británico, realizó hace 25 años para la BBC un documental titulado “Temor de Dios” en el que desmenuza el film en conversaciones con Blatty, Friedkin, los actores y otras personas que fueron clave en cada uno de los 121 minutos que dura la producción.

“Hicieron algo intangible, algo que, citando el propio eslogan de la película, va más allá de la comprensión”, afirma Kermode, fan reconocido de la película.

Es basándonos en su opinión y en las entrevistas que hizo que recopilamos 5 razones que han hecho de “El exorcista” una de las obras maestras indiscutibles de la historia del cine.

1. Pudo pasar en la casa de tu vecino (o en la tuya)

Como el libro, la película se basa en la historia de Regan, una niña cercana a la adolescencia que vive en una casa tradicional en Washington DC, que es poseída por un demonio y logra ser salvada por curas católicos.

“Queríamos hacer un film de miedo, pero yo no tenía ni idea que iba a ser tan bueno o tan aterrador”, cuenta en el documental Ellen Burstyn, quien interpretó a Chris MacNeil, madre de la niña.

Un factor que aseguran influyó en que la cinta generara y siga generando esa potente respuesta emocional fue que la protagonista no era un monstruo o un personaje de ciencia ficción, y la historia no transcurría en Transilvania, como Drácula, sino en el corazón de la capital estadounidense.

“No es una película de vampiros o extraterrestres; es de gente que vive en tu calle” -explicó el director Friedkin-, “una calle que existe, en una ciudad que existe, en el que personas reales viven en una casa, en la que arriba, en el tercer piso, hay una pequeña niña, que está poseída por un demonio”.

Para el sacerdote William O’Malley, que interpretó al padre Dyer en el film, “el efecto fue realmente abrumador, porque no se trataba simplemente de ‘La Profecía’ o ‘El bebé de Rosemary‘, sino que tuvo un impacto religioso”.

El hecho de que la película surgiera en una sociedad en la que la fe estaba siendo cuestionada por una generación de jóvenes que se rebelaban contra lo establecido -políticos, guerras, religión, capitalismo- también pudo haber influido.

Por eso no fue extraño que la idea de una persona joven poseída por fuerzas oscuras resonara también en adultos que veían como sus propios hijos se transformaban en extraterrestres para ellos.

“Para algunos fue la mayor publicidad de catolicismo que el mundo había visto; para otros, en cambio, fue una monstruosidad que llevaba en su celuloide la marca del diablo”, comentó el crítico de cine Mark Ermonde.

2. La transformación de Regan

El éxito de la película y de la trama gira en torno a la figura de Regan, la adorable niña de 12 años que interpreta Linda Blair.

Su paulatina transformación de una niña inocente y puritana en el más cruento demonio es considerada fascinante y al mismo tiempo escalofriante.

Verla cambiar y escuchar su voz y sus chillidos es impactante.

Por una parte, estaba su imagen, la desfiguración de su rostro, que fueron obra del maquillador Dick Smith, y por otra, la actuación de Blair, quien fue escogida entre cientos de niñas en Nueva York.

Linda mostró mucha madurez -y humor- para enfrentar el papel.

“Mi religión es cristiana y nunca habíamos discutido del diablo, por lo que para mí se trataba simplemente de un personaje ficticio, no era real”, indicó la actriz.

Blair pasaba unas cuatro horas en maquillaje antes de empezar a filmar sus escenas, que en su mayoría contenían elementos y diálogos que no eran apropiados para su edad.

“Estaba preocupado por ella, y creo que todos lo estábamos porque era joven e inocente, ajena a todo lo que se trataba la película”, reconoció Smith, quien un día le preguntó cómo se sentía cuando tenía que decir esas líneas.

“Oh, no soy yo, es Regan”, respondió Linda, simplemente.

Pero su personaje sí aterrorizó al público y creó escenas que se han grabado en la memoria de los espectadores.

Una de las más famosas es el giro de 360° de su cabeza, que lleva décadas alimentando fantasías entre los amantes del cine de horror.

Otra -tal vez la más polémica-, es en la que la niña poseída aparece masturbándose con un crucifijo.

“Fue probablemente una de las cosas más despiadadas que he visto en una película”, reflexionó el padre O’Malley, pero “sirvió a un propósito”.

3. Los efectos especiales

Las descritas anteriormente son solo dos de las muchas escenas inolvidables que contiene “El exorcista”.

“Diseñé de la película de modo que habría escenas resplandecientemente brillantes y luego otras oscuras en el ático y el cuarto del exorcismo. Toda la película fue literalmente una alternancia entre las fuerzas de la oscuridad y de la luz”, explicó Friedkin.

Un gran ejemplo de lo anterior es la llegada del padre Merrin a la calle Prospect en una noche con neblina, con la luz del cuarto de Regan desprendiendo un haz luminoso.

“El haz de luz lo es todo, le añade una cualidad etérea”, dice Owen Roizman, el camarógrafo que ideó la toma junto a Friedkin.

Pero también se vieron camas volando, cuartos temblando, muebles moviéndose y a Regan suspendida en el aire o siendo sacudida de forma inhumana.

Hoy parecen cosas normales, pero en esos años los efectos especiales eran bastante artesanales.

“Queríamos que las cosas que pasaban fueran de lo más creíbles posible, y tenían que crearlas en el set, por lo que fue un caso de ensayo y error”, recordó Friedkin.

La persona encargada de la “magia” fue Marcel Vercoutere, “un alma extraña como yo, un experimentador y un perfeccionista”, añadió el director.

En un momento “le dije a Bill, ‘si yo fuera un demonio me levantaría, agarraría a la niña y la destrozaría’… Y él me dijo, ‘Adelante, hazlo’”, señaló Vercoutere.

Lo hizo colocando a Linda Blair en un arnés, amarrándola por todos lados y moviéndola desde el otro lado de la pared. El problema es que la atadura comenzó a soltarse cuando estaba siendo sacudida y los golpes con el arnés le empezaron a hacer daño.

“El diálogo decía, ‘por favor, para, me duele, me quema’”, recordó Blair, “pero yo no sabía qué hacer para que pararan y comencé a gritar, ‘duele de verdad’. En realidad, nunca logré meterme en el personaje”.

La toma que se utilizó fue una en que la niña estuvo llorando a mares, porque le estaban haciendo mucho daño en la espalda.

Friedkin también quería que cuando los actores hablaran les saliera humo de la boca. Le parecía atmosférico. Pero era verano.

Así que Vercoutere construyó un set similar a un frigorífico en el que los actores tenían que rodar con temperaturas bajo cero para poder captar su respiración. Había hielo seco y máquinas especiales.

El elenco dice que muchas veces no sentían ni sus propias extremidades.

Igualmente memorable es la escena final.

La empinada escalera de 75 escalones en la que muere el padre Karras, luego de lanzarse por la ventana tras liberar a Regan del demonio, se ha convertido en un sitio de peregrinación para los seguidores de la cinta.

Hay otra parte emblemática y muy comentada que curiosamente ni siquiera apareció en la versión original de 1973.

Se conoce como “la escena de la araña” y en ella Regan baja las escaleras de la casa de espaldas al suelo caminando con sus brazos y pies.

Es aterrador.

Friedkin reconoció que fue cortada, porque no logró insertarla armoniosamente en la narración.

Sin embargo, sí fue incluida en un reestreno que hubo en el año 2000.

4. Una voz intersexual y la invención de un mexicano

De las 10 nominaciones a los premios Oscar que recibió en 1974, “El exorcista” recibió dos estatuillas a mejor guión adaptado y a mejor sonido.

Friedkin explicó que lo que buscó fue crear un sonido con “una dinámica que oscilaba entre ruidos muy fuertes y opresivos y un silencio total”.

Para ello sometió a cada uno de los elementos sonoros a un minucioso proceso de selección, incluyendo la peculiar voz del demonio que poseyó a Regan.

Primero se intentó modificar la voz de la propia Linda Blair, pero después de 150 horas de pruebas, el exigente director consideró que no era lo suficientemente buena.

“Traté de explicarle a los encargados que el demonio no debería ser de ninguna manera una voz de hombre, que debía ser un tipo de voz neutral, ni masculina ni femenina, pero con características de ambos”, dijo.

El nombre de Mercedes McCambridge fue el que se le vino a la mente.

“Las cosas más curiosas podían pasar por su garganta, sonidos dobles y triples surgían al unísono, sonidos sibilantes, muy parecido a como uno se podría imaginar que sonaría una persona habitada por varios demonios”, comentó Friedkin.

Hubo ocasiones en que a la voz se le agregó efectos de sonidos de animales, de objetos y otros ruidos.

Pero la pista final, que tomó 16 semanas, sólo se pudo completar gracias al aporte de un sonidista mexicano.

“Vi una película llamada El Topo (dirigida por el chileno Alejandro Jodorowsky) y le pregunté a mi manager de producción, ‘¿quién hizo ese sonido?’”, relató Friedkin.

“Respondió que había sido un tipo llamado Gonzalo Gavira. No hablaba nada de inglés, lo trajimos y le mostramos la película, no entendía las palabras, pero sí lo que estaba pasando”, afirmó.

“Se paraba frente a un micrófono con la película en una pantalla y utilizaba su cuerpo, latas y demás cosas para crear muchos de los sonidos que se escuchan en el film”.

Uno de los más escalofriantes es quizás el crujido que logró cuando Regan giró su cabeza 360°: lo creó con una billetera de cuero llena de tarjetas de crédito.

El dramático giro se hizo con una muñeca.

5. Entre leyendas y maldiciones

La combinación de su alto nivel cinematográfico con la fuerte carga religiosa de su trama provocó un amplio abanico de reacciones entre los cineastas y en la sociedad.

A los vómitos y desmayos ya mencionados, se sumaron informes de personas que sufrieron convulsiones e incluso se habló de mujeres que, supuestamente, abortaron.

También provocó un aluvión de denuncias de posesión demoníaca, que la productora Warner Bros aprovechó hábilmente para hacer publicidad.

Esas historias tomaron aún más vuelo con hechos que ocurrieron durante el rodaje de la película y que algunos vieron como macabras casualidades.

“Hubo nueve muertes, que es una enorme cantidad vinculadas con una película”, recordó la actriz Ellen Burstyn.

“Algunas relacionadas de forma directa, como la del actor Jack MacGowran, a quien matan en la película (Burke Dennings), quien murió cuando terminó sus escenas”, añadió.

Otro ejemplo fue el misterioso incendio de un set de grabación durante un fin de semana, cuando nadie estaba ahí, que paralizó la filmación durante unas seis semanas.

“En un período de 15 meses, por las leyes de las probabilidades, puedes esperar que pasen cosas. Pero en mis 32 años haciendo películas nunca se me había incendiado un plató“, indicó Terence Donelly, asistente de dirección.

“No pudieron encontrar ningún problema eléctrico, ni a un pirómano, ni cualquiera razón con fundamento de por qué ocurrió”, dijo.

Fue tal el murmullo que se generó en torno a la película, con voces calificándola de maldita, que Friedkin le pidió al padre Thomas Bermingham exorcizar el estudio de grabación.

“Yo le dije ‘No Billy. No quiero incrementar la ansiedad ni nada’”, comentó el sacerdote, que además de colaborar con Blatty en la creación de su novela fue otro de los religiosos que actuó en la película.

Las reacciones continuaron.

“Pueda que afecte a la gente. Perfecto. Estoy seguro de que eso es mucho mejor que tener a alguien sentado frente a una estúpida película en la televisión que retrata a Jesús con un halo, ya sabes, la forma en que el cristianismo es normalmente retratado”, defendió el director en el documental de la BBC.

Blatty, por su parte, aceptó en el mismo especial que es verdad que en la película “hay un poder para conmover y tener un efecto perturbador en el espectador que es mayor que la suma de cualquiera de sus partes”.

“Es enorme y misterioso, pero Dios mío, no es un poder del mal”, sentenció.

Barbie, dirigida por Greta Gerwig, batió el récord histórico de nominaciones en los premios Critics Choice con 18 candidaturas para la 29 edición de estos galardones que se celebrarán el 14 de enero en Los Ángeles, anunció este miércoles la Asociación de Críticos de Cine de EE.UU.

El fenómeno taquillero del año, que ha superado las marcas de Everything Everywhere All at Once (2022) y The Shape of Water (2017) con 14 candidaturas, competirá, entre otras categorías, en mejor película, mejor director y mejor guion, y se embolsó cinco menciones en apartados interpretativos.

Como máximos favoritos tras el filme de la muñeca de Mattel se perfilan Oppenheimer, de Christopher Nolan, y Poor Things, del cineasta griego Yorgos Lanthimos, con 13 nominaciones cada una. Con una candidatura menos se quedó finalmente la aclamada Killers of the Flower Moon, dirigida por Martin Scorsese.

Junto a los Globos de Oro -cuyas nominaciones también lideró Barbie esta semana- y los galardones concedidos por el sindicato de actores de EE.UU. (SAG Awards), los Critics Choice son una de las principales citas de la temporada de premios de cine y se han caracterizado por funcionar como termómetro para los Óscar.

Sin ir más lejos, Everything Everywhere All At Once triunfó en el apartado de mejor película de los Critics Choice y de los galardones de la Academia de Hollywood este año y, entre muchas otras, Nomadland hizo lo propio en 2021.

El resto de contendientes en la categoría de filme del año, para la que se anticipa ya una reñida lucha, son American Fiction, The Color Purple, The Holdovers, Maestro, Past Lives y Saltburn.

29th Annual Critics Choice Award Nominations https://t.co/gsZyS2whU6

— Critics Choice Awards (@CriticsChoice) December 13, 2023

“Estamos muy emocionados de celebrar los notables proyectos de este año. (… ) Vimos un increíble número de éxitos y hermosas historias que cobraron vida en estas películas excepcionales”, afirmó este miércoles el director ejecutivo de la Asociación de Críticos de Cine de EE.UU., Joey Berlin, en un comunicado.

También prometedora será la pugna que mantendrán Scorsese, Nolan y Alexander Payne (The Holdovers) en su regreso a las nominaciones en un año en el que lucharán con cineastas más jóvenes como Gerwig y Lanthimos, e incluso con Bradley Cooper (Maestro), en su segunda película dentro de su faceta como director.

En las categorías interpretativas, los 600 especialistas y periodistas especializados en cine con derecho a voto para los Critics Choice coincidieron mayoritariamente con los finalistas de los Globos de Oro, allanando el camino así a los rostros que este año acapararán los focos en los principales premios de Hollywood.

Además de Margot Robbie (Barbie), la batalla a mejor actriz la disputarán Lily Gladstone (Killers of the Flower Moon), Emma Stone (Poor Things), Carey Mulligan (Maestro), Sandra Hüller (Anatomy of a Fall) y Greta Lee (Past Lives).

Mientras que en la versión masculina de estos premios se verá lo que ya se prevé como un equilibrado enfrentamiento entre Cillian Murphy (Oppenheimer) y Leonardo DiCaprio (Killers of the Flower Moon) para el que tampoco se descarta a Cooper (también protagonista de Maestro) gracias a su interpretación del director de orquesta Leonard Bernstein.

Los estadounidenses Colman Domingo (Rustin), Paul Giamatti (The Holdovers) y Jeffrey Wright (American Fiction) acaban de completar la lista en esta categoría, en la que no aparece Ryan Gosling (Barbie) porque ha sido considerado como mejor actor de reparto.

La representación hispana para esta 29 entrega de los premios Critics Choice corresponderá a la cinta española La Sociedad de la Nieve, de Juan Antonio Bayona, que se medirá en la categoría de mejor película de habla no inglesa a firmes candidatas como la británica The Zone of Interest.

Asimismo, el mexicano Rodrigo Prieto, que dirigirá la película sobre Pedro Páramo para Netflix, fue nominado por duplicado en el apartado de mejor fotografía gracias a su trabajo visual en dos de las cintas del año: Barbie y Killers of the Flower Moon.

Los Critics Choice, que ya desvelaron sus candidaturas para la pequeña pantalla la semana pasada lideradas por The Morning Show y Succession, reconocen a los mejores proyectos del curso tanto en cine como en televisión.

Las secuelas de dichas películas, y cientos de producciones audiovisuales más, se vieron interrumpidas por el parón que protagonizaron los escritores (del 2 mayo al 27 de septiembre) y los actores (del 14 de julio al 9 de noviembre), en su exigencia a los estudios por mejoras en las condiciones laborales.

Ahora, según información del medio especializado Deadline, las películas que podrían regresar esta misma semana a producción son la tercera parte de Deadpool, protagonizada por Ryan Reynolds y Hugh Jackman, que quedó al 50% de su realización, y la segunda parte de la película Beetlejuice de Tim Burton, que frenó su rodaje tan solo dos días antes de su final programado.

El estreno de la película de Marvel dirigida por Shawn Levy está previsto para el mes de julio 2024, mientras que el estreno del filme de Burton está pactado para el 6 de septiembre de 2024.

El final de la huelga supuso un alivio para los ejecutivos de los estudios quienes días antes de la resolución del conflicto habían insistido en la importancia de llegar a un acuerdo para poder tratar de salvar así la temporada televisiva y avanzar en la programación de películas del próximo año.

Se espera también que filmes como Gladiator 2, con Paul Mescal al frente, la cinta de Clint Eastwood Juror No. 2, la película sin título oficial de la Fórmula 1 protagonizada por Brad Pitt, o la adaptación de la novela de Colleen Hoover It Ends With Us, retomen su rodaje en breve.

Por su parte, películas como Minecraft, de Warner Bros, protagonizada por Jason Momoa, Good Fortune, de Lionsgate, dirigida por Aziz Ansari y protagonizada por Keanu Reeves y Seth Rogen, o Tron 3, de Disney, no retomarán los sets de grabaciones hasta 2024.

La primera huelga conjunta en seis décadas que protagonizaron SAG-AFTRA y el gremio de guionistas de EE. UU.(WGA), ha supuesto unas pérdidas de US$6 mil 500 millones para la economía californiana y el despido de 45 mil trabajadores, según la Oficina de Estadísticas Laborales (Departamento de Trabajo de EE. UU.).

La segunda parte de la cinta La Monja (Warner Bros. Pictures), dirigida por Michael Chaves, aterriza en las salas de cine en el marco del décimo aniversario de El Conjuro (2013), cuyo mundo seguirá expandiéndose con la cuarta parte de la franquicia, que ya se encuentra en proceso de preproducción.

Atraído por el personaje principal de La Monja, Chaves tomó las riendas de la segunda parte de la historia después de haber dirigido La maldición de la Llorona (2019) y El conjuro 3: El diablo me obligó a hacerlo (2021).

“Siempre me fascinó la Monja, era mi villano favorito de este universo y tenía mucha curiosidad sobre qué podría pasar con ella. Tenía grandes ideas para hacer la película”, contó el cineasta en una entrevista con EFE.

La trama de esta nueva obra se desarrolla en 1956, tras el misterioso asesinato de un sacerdote dentro de una iglesia, lo que da la primera señal de que el mal ha vuelto a manifestarse.

Para frenarlo, la hermana Irene tendrá que viajar a Francia y enfrentarse a Valak, un temible y despiadado demonio encarnado en el cuerpo de una monja.

El personaje demoníaco, interpretado por Bonnie Arons, hizo su primera aparición en la segunda cinta de El Conjuro, en 2016, y para 2018 la atemorizante monja se había ganado un lugar como protagonista de una secuela que se engloba dentro de una franquicia de la que también forma parte el filme Annabelle.

Portando su hábito y sin más pertenencias que un pequeño maletín con pistas del paradero de Valak, la hermana Irene, a quien da vida Taissa Farmiga, toma un tren asustada y en contra de su voluntad.

En el camino, se encontrará a Debra, encarnada por Storm Reid, una novicia insubordinada que en su búsqueda por la fe se unirá a la más joven de las monjas para acompañarla, protegerla, aprender de ella y ayudarla.

Un director interesado por “El compromiso con Dios y la comunidad”

Estimulado por retratar a los “underdogs” (desvalidos), Chaves encontró en la labor de esas mujeres el trabajo más arduo de los miembros de la Iglesia católica: “Las monjas hacen todo y los sacerdotes se llevan el crédito”, afirmó el director.

“Me interesaba entenderlas (…) Hice mucha investigación, asistí a foros donde participaban, revisé muchos documentos importantes, quería entender su vida, que es muy humilde, y su compromiso no solo con Dios, sino con la comunidad”, aseveró.

Chaves ya ha comenzado a recibir elogios por la cinta y uno de los más importantes para él fue el que precisamente le dio una monja que fue invitada a una proyección anticipada de la película en Los Ángeles.

“El mejor halago que alguien me pudo haber hecho fue decirme que las había entendido por completo y que las había retratado muy bien”, relató.

Por otra parte, en esta escuela reaparece Maurice, también conocido como Frenchi, un antiguo amigo de Irene que intenta seguir su vida con normalidad pese a la posición que lo aqueja.

“Todos sabemos que Maurice es exorcizado en un momento crucial del universo de El Conjuro y que en ese exorcismo algo sale muy mal. Creo que la gran pregunta de la película es: ¿Qué pasó con Maurice?”, deslizó el director.

Chaves no quiso “quitarle la magia” a la cinta explicando los sobresaltos y simbolismos de sus recursos estéticos, pero resaltó que se volverá a profundizar en temas fundamentales que caracterizan a la franquicia.

“Todas estas películas hablan sobre la fe, y lo increíble de ella es que toma formas distintas y no siempre se trata de religión. Significa cosas diferentes dependiendo de las personas y cada uno de los personajes”, sintetizó.

Cuándo se estrena La Monja 2 en Guatemala

De acuerdo con la cartelera nacional, La Monja 2 llegará a los cines de Guatemala, este jueves 7 de septiembre.

“La secuela del gran éxito mundial sigue a la hermana Irene en su enfrentamiento con Valak, la monja demoníaca.  ¡Gran estreno 7 de septiembre, una película para no dormir!”, publicó Cinépolis Guatemala. Además, revelaron que programaron una función a la media noche.

La decisión se tomó después de que el sindicato y los principales estudios de cine y televisión no lograran llegar a un acuerdo sobre un nuevo contrato.

De esta manera se unen a los miembros del Sindicato de Guionistas de EE.UU., que se declararon en huelga el pasado 2 de mayo después de no poder llegar a un acuerdo con la Alliance of Motion Picture and Television Producers (Amptp), un grupo que representa a estudios como Disney, Netflix, Amazon y Apple.

Es la primera vez desde 1960 que los sindicatos que representan tanto a guionistas como a actores hacen huelga al mismo tiempo.

Mientras, el Sindicato de Directores de EE.UU. ya negoció un contrato y no se unirá a la huelga.

Decenas de producciones ya se han detenido desde que los guionistas se declararon en huelga.

Con la huelga de actores, se espera que haya aún más retrasos y algunos programas podrían cancelarse por completo.

Vuelco a la industria

Si bien continuarán algunas producciones internacionales, será de forma limitada, ya que SAG-AFTRA representa a más de 160.000 artistas de todo el mundo.

Al igual que los guionistas, los actores argumentan que las plataformas de streaming, como Netflix o Hulu, no han compartido los ingresos que están logrando, incluso cuando ha habido una explosión de contenido de entretenimiento.

La búsqueda interminable de nuevos suscriptores es un modelo de negocio insostenible, dicen, y los ejecutivos de los estudios están recibiendo grandes salarios mientras que muchos actores y guionistas no pueden ganarse la vida decentemente.

Los actores y guionistas solían ganar dinero con las reposiciones en televisión de las producciones en las que participaban. Recibían un cheque por correo cada vez que se retransmitía una película o programa en el que habían trabajado y eso les permitía sobrevivir mientras no encontraban un nuevo proyecto.

Pero los servicios de streaming dieron un vuelco a la industria, y ahora los actores y guionistas ganan poco o nada cuando alguien ve su trabajo en una de esas plataformas, que habitualmente también pagan menos que la televisión tradicional.

El peligro de la IA

En los últimos días algunos de los actores mejor pagados de Hollywood firmaron una carta de apoyo a una huelga si sus compañeros no obtienen un nuevo contrato “transformador” por parte de los estudios.

La carta, que fue firmada por actores como Meryl Streep, Mark Ruffalo y Jennifer Lawrence, tiene más de 1.000 firmantes, según la publicación Deadline.

Tanto los guionistas como los actores están en huelga no solo para lograr mejores salarios, sino también para que haya restricciones en el uso de la inteligencia artificial (IA) en las producciones, lo que dicen es una amenaza “existencial”.

Los actores dicen que la IA podría crear un escenario apocalíptico en el que actores falsos y muertos podrían ser las estrellas del mañana a través de rostros y voces generados por computadora.

Para muchos en el negocio, es una idea sombría: hacer películas generadas por computadora sin la participación de un equipo de cámara, un actor o un guionista.

Los estudios de Hollywood dijeron este jueves que el sindicato rechazó una oferta que incluía aumentos “históricos” en salarios y pagos por reposiciones, así como una propuesta “innovadora” para protecciones de IA.

La madre del bebé, embarazada de ocho meses, es la escritora Noor Alfallah (29 años), emparejada oficialmente con el actor desde hace poco más de un año, en abril de 2022, aunque al parecer habían estado saliendo juntos discretamente desde la pandemia del coronavirus.

Alfallah estuvo brevemente emparejada con otra celebridad que se resiste a envejecer, el cantante de los Rolling Stones Mick Jagger, con quien salió entre 2017 y 2018, según Page Six, y posteriormente con el multimillonario sexagenario Nicolas Berggruen, según el Daily Mail.

En cuanto a Al Pacino, es padre de Julie -fruto de su relación con Jan Tarrant, profesora de actuación- y de los mellizos Anton y Olivia, de su matrimonio con la actriz Beverly D´Angelo.

Al Pacino tuvo una realación de pareja con la maestra de actuación Jan Tarrant y en 1989 tuvo a su primera hija Julie Marie.

Luego, sostuvo una relación con la actriz Beverly D’Angelo (1996 -2003), con quien en 2001 tuvo a sus gemelos Anton James y Olivia Rose.

Tanto Julie Marie, los gemelos Anton James y Oliva Rose y el bebé que viene en camino recibirán una gran herencia, pues Al Pacino se estima que tiene una fortuna estimada en US$165 millones.

Según la prensa, se ha mencionado que cada hijo del actor recibiría unos US$40 millones en su cuenta bancaria, sin contar con las propiedades.

La noticia de la próxima paternidad de Al Pacino se suma a la de su colega Robert de Niro, que reveló hace pocas semanas que acaba de ser padre de su séptimo hijo a los 79 años, en una entrevista con una revista canadiense.

En el caso de De Niro, se desconoce la identidad de la madre, pero sí se sabe la edad y situación de cada uno de sus hijos, el mayor de los cuales ha cumplido ya 51 años.

Esas secuencias de alguna manera tienen que coexistir con canciones al estilo Broadway, coreografías elaboradas y revisiones para adaptar la película a las sensibilidades contemporáneas, así que… ¡uf! Esta Sirenita es mucho.

Pero en el fondo, es la misma historia de niña-pez fuera del agua, que tiene las grandes ventajas de contar con Halle Bailey como una cautivadora Ariel (cuya voz en español latino es interpretada por Yatzil Aguirre), Daveed Diggs como la perfecta voz cómica de Sebastian el cangrejo (interpretado en América Latina por Lester Ciarreta Hernández) y canciones de la película original de 1989 que se han mantenido en la memoria de la audiencia durante décadas.

La nueva Sirenita es irregular y, a la vez, un espectáculo con encanto y vitalidad propios.

Bailey tiene una voz grande y cristalina y una interpretación virtuosa, y al tiempo captura con gracia la pasión debajo de las palabras cuando canta “Parte de él”, sobre su anhelo de estar en tierra.

También es una excelente actriz cuya sinceridad nos hace creer que Ariel está enamorada de todas las cosas humanas, desde un tenedor hasta el príncipe Eric (interpretado por Jonah Hauer-King), a quien rescata de un naufragio que incluye incendios a bordo, intensas olas y marineros saltando al mar.

Incluso su vestuario es perfecto, bellamente diseñado con escamas iridiscentes de color azul claro y aletas de gasa.

El padre de Ariel, el rey Tritón (Javier Bardem), quien cree que todos los humanos son viles, domina un rico mundo submarino, que el director Rob Marshall ha repleto de tortugas, delfines y todo tipo de formas de vida de peces y corales creados por computadora.

Ese mundo es colorido y, sí, tan oscuro como sugiere el tráiler. Es, después de todo, un lugar sin luz solar.

Las películas musicales de Marshall incluyen Chicago e Into the Woods (“En el bosque”), pero él comenzó en Broadway, y hay un extraño movimiento intermitente en “La sirenita” que se hace eco de la forma en que el teatro musical a menudo se detiene para dejar que una canción ocupe el centro del escenario.

“Parte de él”, con la cámara enfocada solo en Ariel, parece rogar por el aplauso de la audiencia, y de hecho lo obtuvo en la proyección a la que asistí, como si Bailey pudiera escuchar a través de la pantalla del cine.

Diggs es puro placer como asesor de Tritón. Sebastian se inclina ante el rey con un movimiento de sus pinzas y refunfuña con su acento caribeño. “Cangrejo con estudios universitarios”, dice de sí mismo cuando Tritón lo asigna para vigilar a Ariel en lugar de tenerlo como asesor en asuntos de estado, “tengo opciones”.

La alegre canción de calipso “Bajo el mar”, de Sebastian, es otro gran espectáculo. La coreografía con filas de criaturas marinas animadas se basa en una colaboración con la Alvin Ailey Dance Foundation.

Hay lógica en la combinación de actores y animación aquí.

Incluso los semihumanos son interpretados por actores mientras que todos los demás están animados, incluidos los amigos de Ariel: la gaviota Scuttle (con la voz de Awkwafina en inglés y Carla Medina en español, con muy pocas líneas divertidas) y Flounder (Jacob Tremblay en un papel funcional, Leo Novoa en castellano).

Si tan solo hubiéramos podido ver a Diggs cantando y bailando…

Melissa McCarthy interpreta a Úrsula, la bruja del mar, con malvada alegría, pero constantemente se ve abrumada por los rayos de luz, sus propios tentáculos que se agitan y otros efectos especiales, sobre todo cuando le ofrece a Ariel su trato: que le crezcan piernas, poder salir del mar y hacer que Eric se enamore de ella, aunque sin voz.

Incluso sin diálogo, Bailey hace que su conexión con Eric parezca real, y Hauer-King le da al personaje un carácter especial, un príncipe con conciencia social, para que sea algo más que el típico y anodino guapo de Disney.

Las canciones originales de Alan Menken, con letras del fallecido Howard Ashman, están casi intactas y los pequeños cambios son mejoras apenas perceptibles.

“Bésala” ahora dice “solo pregúntale a ella” en lugar de sugerir que Eric vaya por el beso, y “Pobres almas en desgracia”, de Úrsula, ya no sugiere que los hombres prefieran a las mujeres que no pueden hablar (a pesar de que la película está ambientada en el siglo XIX).

Sin embargo, las tres nuevas canciones de Menken con letra de Lin–Manuel Miranda no dan la talla.

Un rap llamado “Hay un rumor”, que cantan Awkwafina y Diggs (o Medina y Ciarreta Hernández), no es genial, pero al menos evita lo insípido de “Aguas indomables” de Eric y “Primera experiencia” de Ariel.

Al estilo de un verdadero filme de superhéroes, la película se siente inflada.

Una escena de baile en la playa y un paseo en carruaje para Eric y Ariel prolongan el tiempo de ejecución a dos horas y 15 minutos.

En otro toque innecesario, la madre de Eric, la reina Selina (Noma Dumezweni), entrega un mensaje final y contundente de unidad al decir que los mundos del mar y la tierra deben vivir en armonía.

El elenco diverso de la película ya ha señalado la unidad, y lo hace de manera mucho más elocuente.

No obstante, “La sirenita” mayormente evita sermonear. Y sigue siendo lo que siempre fue: un cuento de hadas encantador y escapista.