El Ministerio Público (MP) informó este miércoles 18 de enero que un lienzo decomisado en cateos recientes pertenece a la pintura de la Oración en el Huerto de Tomás de Merlo, la cual fue robada en la iglesia El Calvario, en Antigua Guatemala, en el 2014.

En conferencia de prensa, el ente investigador informó del seguimiento a una investigación por parte de la Fiscalía contra el Crimen Organizado.

Mientras que la PNC informó que se efectuaron 12 diligencias de allanamiento por el caso de la banda “Los Barrancos”.

Añadió que las acciones fueron en seguimiento a muertes violentas de personas y robos en viviendas ubicadas en diferentes zonas y municipios del departamento de Guatemala.

En la conferencia, Kleyber Bladimiro Sical Jiménez, fiscal de sección de la Fiscalía contra el Crimen Organizado, indicó que los allanamientos fueron en continuidad a una estructura criminal.

Recordó que el recién pasado 11 de enero fue la primera fase de los cateos y recuperaron un lienzo que se presumía se trataba de una obra de arte antigua.

“Les quiero comentar que se hicieron los peritajes correspondientes y efectivamente dio positivo a un lienzo, a una pintura antigua que pertenece a un hecho lamentable ocurrido en la iglesia El Calvario de la Antigua Guatemala en el año 2014”, explicó el funcionario.

Dijo que con base a las diligencias se hizo el peritaje y determinaron que se trata de la pintura de la Oración en el Huerto.

Añadió que este miércoles hicieron allanamientos en lugares estratégicos y en algunas joyerías con el fin de localizar objetos que han sido robados en viviendas y algunas iglesias.

También decomisaron vestimenta similar a la usada por la referida estructura criminal en los hechos delictivos denunciados.

Decomisos en joyerías

En una de las joyerías decomisaron una corona de espinas antigua, el objeto es analizado por los peritos del Ministerio de Cultura.

Además localizaron otros objetos, pinturas e imágenes religiosas talladas en madera, los cuales fortalecen la investigación.

Cómo es el proceso de devolución

El fiscal Sical Jiménez explicó que para la devolución de las obras de arte y otros objetos, se tiene que demostrar la propiedad.

Dijo que hay varias personas en la Fiscalía “demostrando que son propiedad de ellos”.

Algunas personas demuestran ser propietarios de los objetos y para ello muestran una fotografía familiar en la que se ve el artículo que reclaman. También pueden reclamar por una declaración jurada u otros aspectos que consideren los abogados.

Otra parte del proceso es poner los objetos a disposición de un juez contralor, quien determina la devolución y el tiempo en que lo hará.

Miguel Francisco Torres, microbiólogo y editor del libro el Tesoro de El Calvario, patrimonio de la Antigua Guatemala, y quien durante 10 años se dedicó a restaurar las pinturas de El Calvario, también confirmó que sí es la pintura robada, y que le falta la parte superior.

“El resto que se rescató es de enorme valor, pues contiene la parte toral -importante, fundamental, central – de la pintura”, resaltó.

Para leer más: Banda “Los Barrancos”: autoridades decomisan más obras de arte e investigación continúa

Seis pinturas robadas

Transcurría febrero del 2014 cuando se informó que seis pinturas que datan del 1730 a 1760 fueron robadas de la iglesia de El Calvario por sujetos armados que amenazaron al sacristán.

La Oración en el Huerto es una obra de arte creada en 1737, con técnica de óleo sobre tela. Sus dimensiones originales son de 253.5 cm de alto X 233 cm de ancho.

50 piezas arqueológicas

Mientras que la Policía Nacional Civil (PNC) informó que como resultado de los cateos se decomisó ocho teléfonos celulares, una motocicleta con reporte de robo, una persona aprehendida, tres armas de fuego documentadas, varias prendas de vestir secuestradas, varios cuadros de pinturas antiguas y 50 piezas arqueológicas incautadas.

Pinturas robadas en El Calvario

El miércoles 11 de enero, el Ministerio Público (MP) reportaba 19 allanamientos en la ciudad de Guatemala, así como en San José Pinula y Santa Catarina Pinula, esto como parte de una investigación por robos en viviendas.

El resultado fue de tres personas capturadas y entre lo decomisado hubo algo que llamó la atención, se trata de un supuesto fragmento de la pintura de La Oración en el Huerto de Tomás de Merlo, la cual fue robada en la iglesia de El Calvario, en Antigua Guatemala, en el 2014.

Esta obra de arte fue creada en 1737, con técnica de óleo sobre tela. Sus dimensiones son de 253.5 cm de alto X 233 cm de ancho.

Transcurría febrero del 2014 cuando se informó que seis pinturas que datan del 1730 a 1760 fueron robadas de la iglesia de El Calvario por sujetos armados que amenazaron al sacristán.

Los encargados quedaron atados de pies y manos por los maleantes, que posteriormente cortaron las obras pictóricas de sus marcos y huyeron. Las obras fueron creadas por el pintor guatemalteco Tomás de Merlo entre 1731 y 1740.

Lo sucedido causó repudió, ya que las pinturas son un patrimonio invaluable.

En ese entonces, la Academia de Geografía e Historia de Guatemala se unió al repudio general por el robo de las seis pinturas que forman parte de la serie de La Pasión y que fueron robadas el 5 de febrero de 2014.

También exigió la aplicación de todo el peso de la ley a los implicados en este “deleznable atropello al patrimonio pictórico de Guatemala”, dado el alto valor histórico de las obras robadas y su significado para los antigüeños, los guatemaltecos y la humanidad.

Prensa Libre y Noticiero Guatevisión consultaron a Miguel Francisco Torres, microbiólogo y editor del libro el Tesoro de El Calvario, patrimonio de la Antigua Guatemala, quien durante 10 años se dedicó a restaurar las pinturas de El Calvario.

“Los merlos -las pinturas- quedaron como recién salidos del taller de Tomás de Merlo”, manifestó.

Dijo que es casi seguro que el lienzo hallado en el cateo forma parte de la pintura de La Oración en el Huerto.

El referido libro guarda la historia del proceso de restauración de las pinturas.

“Totalmente descuidado”

Añadió que el valioso patrimonio de arte colonial que hay en las iglesias “está totalmente descuidado”.

Recordó que cuando entregaron a El Calvario las pinturas restauradas, su recomendación fue instalar alarmas, pero al parecer el proyecto no se llevó a cabo.

Para leer más: Donan pinturas al templo El Calvario de Antigua, sustituirán las robadas de Tomás de Merlo

“Tomás de Merlo fue el pintor barroco más importante de Guatemala, de la serie de La Pasión que él pintó, una parte estaba en El Calvario y otra parte en el Museo de Arte Colonial de la Antigua. Los que se entregaron -las pinturas- a El Calvario como no se les puso alarma, se los robaron, y los robaron cortando con cuchilla y dejando los marcos”, señaló.

Pidió que las autoridades actúen de forma “drástica” en este caso, ya que este supuesto fragmento del cuadro de La Oración en el Huerto está bastante deteriorado.

Torres dijo que de ser el lienzo de la referida pintura, por ahora no se sabe cuánto podría durar la restauración.

“Invaluable”

Resaltó que el lienzo de La Oración en el Huerto tiene un valor incalculable por su importancia para el arte de Guatemala y la belleza de la composición barroca. “Son obras invaluables”, externó.

Presume que la pintura robada no ha sido vendida por ser una obra muy conocida o en ocasiones las venden por partes.  

Agregó que la investigación debe orientarse en investigar a los tres capturados durante los cateos, para saber de dónde salió este lienzo para seguir la pista y ubicar a las demás pinturas robadas en El Calvario.

Quién era Tomás de Merlo

Tomás de Merlo (1694-1739) fue el más importante pintor del siglo XVIII. Trabajó La Pasión de Cristo, por encargo, aunque no logró terminarla, pues murió en un accidente. Tras la ruina de Antigua en 1773, parte de su obra estuvo en la Nueva Guatemala, pero regresaría a La Antigua.

El Calvario de Antigua Guatemala fue construido por el Santo Hermano Pedro de Betancur con sus propias manos y las de otros pocos hermanos betlemitas, y fue estrenada en 1655. Se trataba de una iglesia probablemente grande pero de un sencillo estilo renacentista. El conocido capitán pintor don Antonio de Montúfar, amigo del santo, había pintado una primera serie de piezas describiendo el vía crucis para decorar la iglesia de los betlemitas, destacó Torres en un artículo.

Los terremotos de San Miguel, de 1717, destruyeron casi por completo la ermita y todas las pinturas de Montúfar. En la primera mitad del siglo XVIII se reconstruyó a la moda de la época, en estilo barroco, muy antigüeño, decorada con pilastras almohadilladas flanqueando sus tres puertas y en la espadaña o campanario triple que la engalana.

Para decorar la nueva edificación, las autoridades comisionaron en 1737 a Tomás de Merlo para pintar una nueva serie de 11 cuadros de la Pasión, para ilustrar y estimular la piedad y la fe de los feligreses, en especial de los analfabetos.

Así también fueron secuestrados teléfonos celulares, piezas de arte posiblemente robadas, municiones y
accesorios de plata y oro posiblemente robados. pic.twitter.com/uCAntUFF71

— MP de Guatemala (@MPguatemala) January 11, 2023

Guillermo Monsanto, investigador e historiador, indicó que de tratarse de la referida pintura, es difícil de establecer a priori cuánto tiempo podría tardar la restauración, ya que se necesita un estudio y un dictamen científico y técnico.

Dijo que habría que establecer si hay daños irreversibles y qué tipo o criterio de restauración será el que sigan los restauradores de Antropología e Historia.  También determinar si después del robo la obra fue intervenida y con qué criterios.

“El que compra obras de arte robado no es un coleccionista, sino un ladrón de arte”, señaló.

Pinturas robadas

Las seis obras de arte robadas son:

• La Oración en el Huerto
• La Curación de Malco
• Cristo ante Caifás
• La Flagelación
• El Rey de Burlas
• La Piedad

Qué dice el Ministerio de Cultura

Luego de los cateos del MP, el Ministerio de Cultura y Deportes se pronunció en un comunicado en el que afirmó que especialistas de los departamentos de Prevención y Control del Tráfico Ilícito de Bienes Culturales y Registro de Bienes Culturales, de la Dirección General del Patrimonio Cultural y Natural, se presentarán al Ministerio Público para verificar la autenticidad de estas obras halladas en los cateos y que datarían del siglo XVIII y que corresponderían a una colección del pintor guatemalteco Tomás de Merlo.

Añadió que el análisis permitirá corroborar si los lienzos son parte de los robados en 2014 de la Iglesia El Calvario en La Antigua Guatemala, mismos que forman parte del legado patrimonial de la época Colonial de Guatemala.

Imágenes y datos de pinturas robadas

El Ministerio de Cultura y Deportes dio a conocer el Calendario Escolar 2021 para Centros Educativos Artísticos Públicos con el Acuerdo Ministerial número 1308-2022, publicado este lunes 9 de enero en el Diario de Centro América.

Según ese acuerdo ministerial, de fecha 23 de diciembre de 2022, es función de la Dirección de Formación Artística de la Dirección General de las Artes dependencia del Ministerio de Cultura y Deportes, ejecutar y velar el cumplimiento de las acciones de administración de la enseñanza artística, relacionada con los horarios, calendarios escolares, jornadas de trabajo y todas aquellas funciones que correspondan para la correcta prestación de los servicios.

Agrega que es necesario establecer el calendario escolar para los Establecimientos del Sistema de Enseñanza Artística que están bajo la competencia del Ministerio de Cultura y Deportes, públicos privados y municipales en los niveles inicial, diversificado y cursos libres plan diario, fin de semana y cursos de vacaciones, en las modalidades de canto, teatro, danza, música y artes plásticas.

En el artículo 1 se establece el Calendario para el Ciclo Escolar 2023, para su cumplimiento en los establecimientos del Sistema de Enseñanza Artística Públicos de Guatemala, que son competencia del Ministerio de Cultura y Deportes.

Clases presenciales

En el artículo 6 se menciona que la enseñanza educativa artística durante el ciclo escolar 2023 para los establecimientos del sistema de enseñanza artística se desarrollará en modalidad presencial, debiendo atender las disposiciones que emita el Ministerio de Educación, en caso que la situación sanitaria requiera un cambio inmediato de modalidad de desarrollo de las actividades educativas.

En el artículo 2 se detalla que la función de dicho calendario escolar 2023 es orientar y organizar las tareas académicas propias de cada establecimiento de enseñanza artística, por lo que este queda de la siguiente manera.

• 3 de enero: Inicio de labores del Ciclo Escolar 2021
• Del 3 de enero al 28 de febrero: Inscripciones para el ciclo 2023 en las Escuelas de arte y conservatorios de música, centros educativos artísticos privados y municipales.
• Del 3 de enero al 31 de marzo: Inscripciones para cursos libres 2023 en academias comunitarias de arte, orquestas juveniles, escuelas de arte y conservatorios de música.
• 16 de enero: Inicio de clases para el Ciclo Escolar 2023 en academias comunitarias de arte, orquestas juveniles de la Dirección de Formación Artística.
• 6 de febrero: inicio de clases en las escuelas de arte, conservatorios de música y centros educativos artísticos privados y municipales, modalidad bimestral y trimestral.
• Del 27 al 31 de marzo, evaluaciones de primer bimestre
• Del 3 al 7 de abril: Semana Santa (Descanso).
• Del 24 al 28 de abril: evaluaciones del primer trimestre
• Del 12 al 16 de junio: evaluaciones de segundo bimestre
• Del 19 al 23 de junio: Descanso de medio año
• 25 de junio: Día del Maestro
• Del 24 al 28 de julio: evaluaciones de segundo trimestre
• Del 28 de agosto al 1 de septiembre: evaluaciones del tercer trimestre
• 4 de septiembre: inicio de Práctica supervisada para estudiantes graduandos
• Del 2 al 31 de octubre: inscripción de cursos de vacaciones para escuelas de arte y conservatorio de música
• Del 9 al 13 de octubre: evaluaciones finales alumnos graduandos
• 13 de octubre: finalización de Práctica supervisada
• Del 23 al 27 de octubre: evaluación del tercer trimestre
• 27 de octubre: descanso por Día del Artista Nacional
• Del 30 de octubre al 3 de noviembre: evaluaciones del cuarto bimestre
• 3 de noviembre 2023: finalización de cursos libres
• 6 de noviembre: inicio de curso vacacional
• Del 20 al 24 de noviembre: evaluación de recuperación (única oportunidad)
• 27 de noviembre: finalización del ciclo escolar
• 30 de noviembre: finalización de cursos de academias comunitarias

— De los cuadros que has pintado, ¿cuál es tu favorito?

— Debo decir dos: The Outsiders, que son básicamente unos tipos que están pasando el rato, y Venucube, inspirado por Pokémon.

El que habla es Andrés Valencia, la última sensación del mundo del arte: un niño de 11 años.

Conversa con BBC Mundo nada más salir de la escuela, acompañado de su madre, Elsa Valencia.

Trata de recuperar la normalidad en su San Diego natal tras haber sido durante el primer fin de semana de diciembre el centro de atención en Art Miami, una de las ferias de arte contemporáneo más importantes de Estados Unidos.

Allí, mientras la noche de la inauguración Andrés posaba para los medios y los curiosos y saludaba a coleccionistas y famosos, Chase Contemporary, la galería neoyorquina que lo representa, vendió casi toda su obra.

Sí, también la pintura de los tipos ociosos que beben y fuman y la versión cubista de Venusaur, su dinosaurio favorito del videojuego de Nintendo. Ambos, como muchos de sus otros coloridos lienzos, recuerdan inevitablemente al autor del Guernica.

Es por eso que se ganó el sobrenombre de “pequeño Picasso”.

Seis cifras

“El precio promedio de sus cuadros ronda los US$150.000“, le dice a BBC Mundo Bernie Chase, el dueño de la galería, como invitando a hacer cálculos.

Pero tener que prácticamente colgar el cartel de sold out en Art Miami no fue, en realidad, ninguna sorpresa.

Ya lo había hecho en junio durante su primera exposición en solitario en la sede de la galería en SoHo. Quienes se llevaron a casa las 35 obras expuestas pagaron por ellas entre US$50.000 y US$125.000.

Seis cifras alcanzó ese mes Ms. Cube, otro retrato de estilo cubista que pintó con apenas 9 años, en una subasta de la casa Phillips de Pury en Hong Kong, y también la obra Maya, bautizada así por la hija de Picasso, durante una gala benéfica celebrada en Capri, Italia, en julio.

Sus pinturas de trazos contundentes y perspectiva múltiple engrosan las colecciones de la colombiana Sofía Vergara, una de las actrices mejor pagadas de la TV en EE.UU., del poderoso empresario musical Tommy Mottola o de la estrella de Hollywood Channing Tatum.

Y en noviembre el cantante de BTS conocido como V compartió otro de los trabajos de Andrés con sus 50 millones de seguidores en Instagram.

“¡Gracias @andresvalenciaart por esta preciosa obra de arte! Desde que vi por primera vez tu trabajo, soy fan”, escribió junto al retrato de un hombre lloroso en tonos azules. El post ha cosechado ya más de 9 millones de likes.

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Todo esto tiene al joven californiano copando los titulares un día sí y otro también.

“Le piden entrevistas casi a diario. Nos han llamado de los talk shows principales, pero les hemos dicho a todos que no”, cuenta tajante su madre.

“Mi hijo es un artista, pero no es un celebrity. Es, ante todo, un niño“, prosigue esta psicóloga clínica de 48 años.

“Queremos que vaya a la escuela, que estudie música, que toque el piano, que aprenda a leer y escribir en español, que salga con sus amigos al parque”.

Labor benéfica

Tanto ella como su marido, Guadalupe Valencia, californianos de ascendencia mexicana y padres también de Atiana, insisten en que tratan de llevar la vida de una familia normal.

Y subrayan que las grandes ganancias de su hijo son una oportunidad más para recordarle aquello en lo que creen.

“No nacimos en la abundancia. Y yo antes de ser terapeuta clínica, fui trabajadora social durante muchos años, trabajé en casas de acogida y en entornos penitenciarios, y he visto de cerca qué es ser un desfavorecido. Nosotros somos muy muy afortunados”.

Por eso, les recalcan a sus retoños la importancia de aportar a la sociedad. Algo que, aseguran, Andrés ya trae incorporado.

Mucho de lo recaudado con su arte lo ha donado a organizaciones como amfAR y Unicef. Y más recientemente destinó el 100% de las ganancias por la venta de una impresión de su obra original Invasion of Ukrainepara apoyar a niños de ese país sumido en la guerra, a través de la Fundación Klitschko.

Esto es algo que su legión de fans aplaude, la misma que lo llama “niño prodigio”.

Un niño “distinto”

Entretanto, y aunque rehuyen a etiquetas de ese tipo, sus padres reconocen que desde muy pequeño Andrés ya era “distinto”.

“Cuando tenía unos cuatro años y dibujaba, yo solía corregirlo”, recuerda Elsa. “‘¿Andrés, tenemos dos ojos, no tres. ¿Y por qué estás haciéndole la nariz donde va la oreja? No hagas así la cara’, le decía”.

Cuenta que dejó de hacerlo después de ver a sus compañeros de primer grado embelesados con los dibujos que acababa de hacer durante la celebración de Halloween en clase.

“A partir de ese día, di un paso atrás y no volví a interferir. Simplemente le dejé ser y crear“.

Dejarle ser implicó que pasara horas haciendo bocetos en el estudio de su madre —también diseña y elabora joyas a mano— o tratando de copiar los cuadros que adornaban el salón e inspirándose en sus artistas favoritos.

“Me gusta Picasso”, dice Andrés señalando lo obvio. “Pero también (Amedeo) Modigliani y George Condo“. La influencia de las figuras alargadas del italiano de inicios del siglo pasado y la geometría del estadounidense contemporáneo también se percibe en sus acrílicos.

Andrés no ha recibido hasta ahora clases de pintura, es autodidacta.

“Llevo 20 años en el negocio del arte y esto es muy inusual”, dice Chase con orgullo. “He trabajado con tipos como Peter Beard y Kenny Scharf. Andrés tiene el potencial de ser así de grande o más”.

“Enseñar su talento al mundo”

Chase empezó a adquirir sus acuarelas cuando tenía seis años, como otros familiares y amigos.

“Solía ir a su casa los fines de semana y le compraba dibujos, pinturas”, recuerda.

— ¿Es cierto que un día de esos le pidió US$5.000 por una pintura?

— Así fue. Y hoy queda claro que salí ganando: vale 30 veces más.

“Ya en esos años vi que evolucionaba muy rápido y de forma muy orgánica. No partía de bocetos, sino que arrancaba directamente sobre el lienzo, fluía”, prosigue Chase.

Al tiempo convenció a los padres de Andrés de que había llegado la hora de que el mundo conociera sus capacidades artísticas.

Y el año pasado contactó a Nick Korniloff, el director de Art Miami, para que hiciera su debut allí.

En varias entrevistas con medios Korniloff ha recordado que al principio se mostró escéptico y que, temeroso de estar jugándose su reputación, incluso obvió la edad del artista en los materiales promocionales de la feria.

Aunque esa información no tardó en salir a la luz ni los coleccionistas y los famosos en llegar.

Y Andrés cuenta ahora también con una publicista, Sam Morris, veterana en la escena del arte y el teatro en Nueva York.

Escepticismo

Sin embargo, también hay quien —en el sector del arte y más alla — mira el fenómeno del “pequeño Picasso” con dudas, incluso con desconfianza.

Algunos subrayan que no deja de ser una bonita e inspiradora historia que cala con facilidad en una audiencia pospandémica.

Otros dudan del valor de sus obras como inversión.

“Hay demasiada gente que cree en los nuevos artistas como un tipo de activo protegido de la inflación”, le dijo en esa línea a The New York Times Alexandre Shulan, dueño de Lomex, una galería neoyorquina especializada en artistas emergentes.

“Pero la vida de cualquier artista joven va a cambiar de forma dramática con el tiempo, por lo que asumir que la inversión en un artista de 24 años va a ser longeva ya es bastante ridícula, ni qué decir cuando el artista es más joven; un niño, como en este caso”.

Otros subrayan que los niños tienden a la imitación y ven en Andrés ecos de artistas que se hicieron famosos siendo menores de edad y generaron ventas millonarias, historias que no tardaron en desinflarse.

Es el caso de Aelita Andre, una australiana que a los cuatro años tuvo su primera exposición individual en Nueva York. O Alexandra Nechita, a quien de forma similar llamaban “una Mozart con pincel”, se prodigó por programas televisivos y ganó millones con la venta de sus obras.

Más reciente fue el fenómeno de Lola June, una niña de apenas dos años por cuyos garabatos expresionistas algunos coleccionistas llegaron a pagar US$1.500.

Más oscuro es el ejemplo de Marla Olmstead, quien vendió sus cuadros por miles de dólares y su historia acaparó la atención internacional en 2005, cuando tenía apenas cuatro años. Pero dos documentales, uno con imágenes captadas con cámara oculta en su estudio puso en duda luego que las pinturas fueran obra puramente de ella o creadas en colaboración con su padre.

No es el caso de Andrés. Al californiano se le ha visto crear con trazo seguro sus obras desde cero en numerosas ocasiones. Su cuenta de Instagram, gestionada por la galería, da cuenta de ello.

“A nosotros, como a todo el mundo, no deja de sorprendernos cómo esa pequeña mente puede crear lo que crea”, dice su padre, Guadalupe Valencia.

Y se defiende: “Pero para mí lo importante es que la gente valora sus pinturas antes de saber que son hechas por alguien que tiene 11 años”.

Chase el galerista es más contundente.

“No le llamemos prodigio, pero es muy muy buen pintor. Ha avanzado en un año lo que muchos artistas no lograr en 10, y estoy hablando de gente como Condo”.

Dice que le regaló 45 libros de otros tantos artistas, desde el siglo XVI al XIX, que el chico ya ha estudiado en profundidad. “Ahora está mezclando lo que ha hecho hasta ahora y definiendo su propio estilo”.

Andrés lo corrobora. Cuenta que ahora está trabajando en un cuadro con temática de Pinocho. “Esta vez es distinta”.

“Un acontecimiento incalificable”.

Así comenzaba un post, con fecha del 7 de agosto de 2012, del blog dedicado a la cultura del pequeño pueblo español de Borja, de apenas 5.000 habitantes.

La publicación explicaba que un inventario de arte religioso en la región encontró el fresco Ecce Homo, obra del pintor Elías García Martínez, en las paredes del Santuario de la Misericordia en Borja en mal estado de conservación.

“Pero, para nuestro asombro, podemos ver que, en el breve espacio transcurrido desde entonces, se ha producido ‘un arreglo’, cuyo resultado es lo que se ofrece en esta imagen“.

“Desconocemos las circunstancias en las que se produjo el arreglo”.

No pasó mucho tiempo para que fueran reveladas.

Una feligresa del santuario de Borja de nombre Cecilia Giménez, entonces de 81 años, fue identificada como la autora de la torpe restauración.

Armada de “buena fe”, trató de resolver los problemas de conservación de la pintura aún sin dominar las técnicas necesarias.

El resto es historia: un tsunami de burlas barrió las redes sociales, alimentó los noticieros, los programas de humor y los círculos de conversación de todo el mundo en las siguientes semanas y reverberó con tal fuerza que transformaría la obra de doña Cecilia en uno de los memes más grandes de la historia en internet.

Ante el repentino interés de un nuevo público por el arte sacro local, el párroco del santuario pidió incluso al alcalde que tapara el cuadro y así evitar bromas. La solicitud fue denegada.

La anciana, bajo amenaza de acciones legales por lo que fue catalogado como un “acto de vandalismo”, cayó en depresión. Lloró durante varios días.

Pronto, sin embargo, recuperó el ánimo. Se dio cuenta de que la situación estaba dando la vuelta: poco a poco, el ridículo dio paso al aprecio, a menudo irónico, en un fenómeno típico de la cultura web.

En poco tiempo, la imagen se convirtió en una serie de productos de mercadería, como llaveros, camisetas e imanes de nevera, e incluso en una ópera compuesta por el estadounidense Andrew Flack en 2015.

10º aniversario

Diez años después, Borja celebra sin vergüenza el Ecce Homo transformado por las manos de la española, que ahora vive en una residencia de ancianos, con mala salud a los 91 años.

“Su situación ha empeorado mucho, pero aún es consciente del fenómeno y vive aquí en Borja en una residencia del gobierno de Aragón. Está junto a su hijo, que también tiene un grave problema de salud”, le dijo a BBC Brasil el actual alcalde del municipio español, Eduardo Arilla Pablo.

José Antonio tiene una lesión cerebral y vive en silla de ruedas. El otro hijo de doña Cecilia, Jesusín, murió a los 20 años a causa de una rara enfermedad muscular.

La mujer dijo en una reciente entrevista con la TV pública de Aragón que, si pudiera, “volvería a intentar restaurar el Ecce Homo“. A un diario del País Vasco le dijo que siempre le gustó pintar y tiene buenos recuerdos de la restauración porque “lo hizo con amor”.

El alcalde de Borja indica que el 10 de septiembre habrá “un acto de reconocimiento a Cecilia Giménez y Elías García Martínez” que será retransmitido en directo por YouTube.

Es también un reconocimiento del gran impacto causado en esta pequeña localidad situada a 60 km de Zaragoza y parte de la comunidad autónoma española de Aragón.

“En materia de turismo, somos un producto mundial. Recibimos visitantes de 110 países de todo el mundo”, dice Arilla.

En el primer año después de que surgiera el caso, hubo una explosión en el número de turistas, con 40.000 visitantes anuales a Borja.

“Ahora se ha estabilizado. Pero trabajamos para que esa cadena nunca se rompa”, señala el alcalde.

Ahora, el flujo es de entre 10.000 y 11.000 visitantes anuales que presencian en vivo lo que se ha hecho famoso en la red.

“Como institución no podemos permitir que pasen estas cosas”, reconoce el alcalde.

“Tenemos un gran patrimonio monumental y artístico y estamos comprometidos a restaurarlo. Lo que pasó fue un error. Pero también es cierto que, una vez que pasó esto, es un fenómeno pop, un ícono pop”, apunta.

“Con todo respeto a la pintura original de Elías García, la obra más importante se define ahora a la manera de Cecilia Giménez”.

El valor artístico del original

El fresco de García Martínez (1858-1934) es una reproducción de otros Ecce Homo (“He aquí el hombre” en latín) del pasado.

Es un tema común en el arte europeo entre los siglos XV y XVII, cuyo título alude a la frase de Poncio Pilatos cuando presenta a Jesucristo torturado ante la multitud.

García Martínez fue profesor de la Escuela de Bellas Artes de Zaragoza y también patriarca de una familia de artistas de la que destacaba su hijo Honorio García Condoy, escultor de vanguardia.

La familia veraneaba en la comarca de Borja, por lo que García Martínez realizó el fresco del interior del santuario en 1930.

El diario español El País calificó el cuadro original de “poco valor artístico”. La obra no fue catalogada por los Órganos Culturales de Aragón.

¿Fue arte lo que hizo la restauradora? “Cecilia Giménez creó algo totalmente diferente, con mucho más impacto que la pintura original”, dice Nathalia Lavigne, curadora e investigadora en cultura digital.

“Pero todo ahí es contexto, el meme es contexto. La imagen penetró en la cultura visual contemporánea porque tenía todas las características de un meme: algo casual, amateur y un poco anárquico. Nunca fue su intención hacer lo que pasó”.

El caso del Ecce Homo rehecho, según Lavigne, se relaciona con una pregunta contemporánea: no tanto sobre qué es el arte sino dónde está el arte.

“En ese contexto en el que ella hizo la restauración, ciertamente no era arte. Pero se puede ver de esta manera, pensando en la idea de longevidad de la circulación de la imagen, que va a determinar la importancia de la vida del objeto”.

El cineasta español Álex de la Iglesia, director de películas como “El bar” y “El día de la bestia”, declaró en Twitter que la imagen es un “ícono de nuestra forma de ver el mundo. Significa mucho”.

El crítico de arte estadounidense Ben Davis incluso nombró la restauración entre las 100 piezas que definieron la década de 2010 (“una querida obra maestra del surrealismo involuntario”).

Para Rob Horning, editor de la revista electrónica sobre tecnología de internet y cultura Real Life, el meme en realidad “dio la oportunidad de satirizar simultáneamente la piedad de la religión y la pseudorreligión del arte”.

Horning observa que el éxito de las visitas turísticas a Borja también muestra una curiosa relación entre el mundo offline y el mundo online: es como si la pared en la que se encuentra el Ecce Homo de doña Cecilia le dijera al espectador: “Aquí está internet”.

“La sensación debe ser bastante poderosa”, dice Horning.

Hay en el meme de la obra restaurada de 2012 algunos caminos que con el paso de los años se volverían característicos en internet.

El caso sugirió, por ejemplo, que las consecuencias para alguien que se vuelve viral, incluso en un contexto de ridículo, pueden no ser tan graves, y que un gran impacto puede “monetizarse”.

A Cecilia Giménez se le otorgó el 49% de los derechos de imagen de su Ecce Homo, un dinero que invierte en un fondo para apoyar a pacientes que padecen la misma enfermedad que su hijo.

Pero la principal lección del meme, dice el periodista, es que internet “aprovecha los fenómenos y los invierte”. El meme, al final, “dio la vuelta”.

Incluso doña Cecilia parece más convencida de su trabajo.

En 2016, durante el acto de inauguración de un “centro de interpretación” de su obra en Borja, declaró: “A veces, de tanto verte, pienso ‘hijo mío, ya no eres tan feo como me parecías en el principio’“.

Liv Harland es una artista callejera que recauda dinero cantando en la vía pública del Reino Unido como una forma de explotar su talento.

Hace algunas semanas se encontraba en una presentación cuando repentinamente dejó de cantar, se acercó a la maleta donde estaba su dinero y lo tomó.

Acto seguido se acercó con un indigente para entregarle el dinero. El hombre se encontraba buscando en la basura algo para comer.

“Estaba cantando, y si ven a la izquierda hay un hombre sacando nuggets de pollo de la basura. Le dije que le iba a dar dinero, pero que me prometiera que iba a comprar nuggets frescos. Se veía agradecido cuando se fue”, señaló la joven artista.

El hecho quedó documentado en las redes sociales por algunas personas que se encontraban apreciando su arte, lo que hizo que su noble gesto fuera compartido por las plataformas digitales.

Tras ese gesto, un hombre que presenció a la artista se acercó para darle una cantidad de dinero mayor a la que ella había dado al indigente, “el karma es algo increíble. Siempre sé amable. La amabilidad se te devolverá”, explicó en sus redes sociales.

Tremendo revuelo está causando un artista en las redes sociales al exponer unas obras bastante peculiares en la localidad de Aalborg, Dinamarca.

De acuerdo con el sitio de El Comercio, de Perú, Jens Haanning fue contratado por el museo de arte de ese lugar para que expusiera sus galerías.

Le fue encomendado que recreara una obra anterior que constaba de dos marcos de vidrio llenos de billetes por adentro con la cantidad correspondiente a los ingresos anuales de los daneses.

Otros 22 artistas también fueron invitados para exponer sus obras, cuya temática era “el papel del individuo en el mercado laboral actual”, consigna el diario.

Sin embargo, el artista, de 56 años, adujo que no tenía el dinero para sus obras y pidió prestado el equivalente en euros de más de US$84 mil 435 para meterlos dentro de sus obras.

Al ser un artista bastante famoso, ofreció devolver las obras con el dinero adentro a quienes dieran el dinero.

Pero, sorpresivamente, al momento de la exposición hubo un más que notorio cambio en las obras de Haanning.

Decidió, a última hora, colocar los lienzos en blanco en la exposición y titular sus obras Toma el dinero y huye.

Después del hecho y de los respectivos reclamos, el artista tuvo la osadía de presentarse ante los medios y aclarar que su arte consistía en haberse quedado con el dinero, “artísticamente hablando”.

Con un enojo evidente, el director de la galería le dio un ultimátum al artista: o devolvía el dinero o lo demandaría.

Aunque admitió que si Haanning no era tan famoso, ahora sí sus peculiares obras le darían la vuelta al mundo.

 (Foto principal: @lasmananaskiss/Twitter)

Algunas cosas son tan obvias que nunca las notas.

Y eso ocurre en una imagen omnipresente como la Mona Lisa.

El inagotable retrato de Leonardo da Vinci de 1503 protagonizado por Lisa del Giocondo, mujer de 24 años, madre de cinco hijos y esposa de un rico comerciante de seda florentino, es sin duda la obra de arte más famosa del mundo.

Sin embargo, ¿cuántos de nosotros hemos notado alguna vez conscientemente el objeto del cuadro que está más cerca de nosotros que cualquier otro: la silla en la que se sienta la misteriosa mujer?

No importa que sea lo único que la modelo de Leonardo agarra con su mano (literalmente todos los dedos de su mano la tocan o señalan), la silla seguramente debe ser el aspecto que más pasa desapercibido de una pintura que ha sido sobreobservada.

Escondida a simple vista, también puede ser la flecha que nos señala el camino hacia los significados más profundos de la obra.

Más allá de la sonrisa

Durante siglos, nuestra atención se ha centrado en gran medida en otro lugar en el pequeño panel de óleo sobre álamo (77×53 centímetros) que Da Vinci nunca terminó por completo y con el que se cree que continuó jugando obsesivamente hasta su muerte en 1519.

La preocupación por la sonrisa inescrutable de Mona Lisa es casi tan antigua como la pintura, y se remonta al menos a la reacción del legendario escritor e historiador renacentista Giorgio Vasari, que nació pocos años después de que Da Vinci comenzara a trabajar en la imagen.

“La boca, con su abertura y sus puntas unidas por el rojo de los labios a los tintes de la carne del rostro”, observó Vasari en sus célebres “Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos”.

“Parecían, en verdad, no ser colores sino la propia piel (…) en el fondo de la garganta, si uno lo miraba con atención, se podía ver el latido del pulso”.

Y concluyó: “En esta obra de Leonardo, había una sonrisa tan agradable que era algo más divino que humano de contemplar, y se consideraba como algo maravilloso, en el sentido de que era algo vivo”.

El fascinante misterio de la sonrisa de Mona Lisa y de cómo Leonardo la aprovechó mágicamente para crear “algo más divino que humano” y, sin embargo, “nada más y nada menos que con vida” resultaría ser demasiado intenso para muchos.

El crítico de arte francés del siglo XIX Alfred Dumesnil confesó encontrar la paradoja de la pintura completamente paralizante.

En 1854, afirmó que la “sonrisa está llena de atracción, pero es la atracción traidora de un alma enferma que retrata locura”.

“Esta mirada, tan suave pero ávida como el mar, devora”.

Si hay que creer en la leyenda, la “atracción traicionera” de la sonrisa irresoluble de la Mona Lisa consumió también el alma de un aspirante a artista francés llamado Luc Maspero.

Según el mito popular, Maspero, quien supuestamente terminó sus días al saltar desde la ventana de su habitación de hotel en París, fue conducido a una distracción destructiva por los susurros mudos de los labios absortamente alegres de la Gioconda.

“Durante años he luchado desesperadamente con su sonrisa”, se dice que escribió en la nota que dejó. “Prefiero morir”.

Las manos y los párpados

Sin embargo, no todo el mundo se ha contentado con localizar el centro de la mística magnetizante de la Mona Lisa en su enigmática sonrisa.

El escritor victoriano Walter Pater creía que era la “delicadeza” con la que se pintan sus manos y párpados lo que nos paraliza e hipnotiza haciéndonos creer que la obra posee un poder sobrenatural.

“Todos conocemos el rostro y las manos de la figura”, observó en un artículo sobre Da Vinci en 1869, “en ese círculo de rocas fantásticas, como en una tenue luz bajo el mar”.

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Pater procede a meditar sobre la Mona Lisa de una manera tan singularmente intensa que en 1936 el poeta irlandés William Butler Yeats se vio obligado a tomar una frase de la descripción de Pater, dividirla en versos libres e instalarlos como poema de apertura en el Oxford Book of Modern Verse que Yeats estaba compilando entonces.

El pasaje que Yeats no pudo evitar replicar comienza: “Es más vieja que las rocas entre las que se sienta; como el vampiro, ha muerto muchas veces y ha aprendido los secretos de la tumba; se ha sumergido en mares profundos, y guarda sus últimos días en torno a ella; traficó por redes extrañas con comerciantes orientales, y, como Leda, era la madre de Helena de Troya, y, como Santa Ana, la madre de María; y todo esto fue para ella como un sonar de liras y flautas “.

El retrato “vive”, concluye Pater, “en la delicadeza con que ha moldeado los rasgos cambiantes y teñido los párpados y las manos”.

La descripción de Pater aún asombra. A diferencia de Dumesnil y del desafortunado Maspero antes que él, Pater ve más allá de la trampa seductora de la sonrisa del retrato.

Se fija en una vitalidad más grande que se filtra como desde lo más profundo de la superficie.

Al argumentar que la pintura representa una figura suspendida en una incesante lanzadera entre el aquí y ahora y algún reino de otro mundo que se encuentra más allá, Pater señala la esencia mística del atractivo perenne del cuadro: su sentido surrealista de flujo eterno.

Al igual que Vasari, Pater es testigo de una presencia que late y respira -“características cambiantes”- que trasciende la materialidad inerte del retrato.

El agua

La clave de la fuerza del lenguaje de Pater es la insistencia en las imágenes acuáticas que refuerzan la fluidez del ser esquivo de la modelo (“luz tenue bajo el mar”, “sumergida en mares profundos” y “traficó… con comerciantes orientales”), como si la Mona Lisa fuera una fuente inagotable de agua viva, una ondulación interminable en los remolinos sin fin del tiempo.

Quizás lo sea. Hay motivos para pensar que tal lectura, que ve a la modelo como un manantial de eterno resurgimiento que cambia de forma, es precisamente lo que pretendía Leonardo.

Flanqueado a ambos lados por cuerpos de agua que fluyen y que el artista coloca ingeniosamente de tal manera que sugiere que son aspectos del ser mismo de su modelo, el sujeto de Da Vinci tiene una cualidad extrañamente submarina que se acentúa con el vestido verde algas.

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La Mona Lisa usa una segunda piel anfibia que se vuelve más turbia y oscura con el tiempo.

La silla pozzetto

Al girar su mirada ligeramente hacia la izquierda para encontrarse con la nuestra, la Mona Lisa no está sentada en cualquier banco o taburete viejo, sino en la conocida popularmente como silla pozzetto.

Con el significado de “pozo pequeño”, el pozzetto introduce un sutil simbolismo en la narración que es tan revelador como inesperado.

De repente, las aguas que vemos serpenteando con un movimiento laberíntico detrás de la Mona Lisa (ya sea que pertenezcan a un paisaje real, como el valle del río italiano Arno, como creen algunos historiadores, o enteramente imaginarias, como sostienen otros) ya no están distantes y desconectados de la modelo, sino que son un recurso esencial que sustenta su existencia. Literalmente fluyen hacia ella.

Al situar a la Mona Lisa dentro de un “pozo pequeño”, Da Vinci la transforma en una dimensión siempre fluctuante del universo físico que ocupa.

Martin Kemp, historiador del arte y destacado experto en Da Vinci, también ha detectado una conexión fundamental entre la representación de la Mona Lisa y la geología del mundo que habita.

“El artista no estaba retratando literalmente el Arno prehistórico o futuro”, afirma Kemp en su estudio “Leonardo: 100 hitos (2019)”, “sino que estaba dando forma al paisaje de la Mona Lisa sobre la base de lo que había aprendido sobre el cambio en el ‘cuerpo de la Tierra’ para que acompañara a las transformaciones implícitas en el cuerpo de la mujer como un mundo menor o microcosmos”.

La Mona Lisa no está sentada frente a un paisaje. Ella es el paisaje.

El significado del pozo

Al igual que con todos los símbolos visuales empleados por Leonardo, la silla pozzetto es multivalente y sirve más que simplemente para vincular a la Mona Lisa con la conocida fascinación del artista por las fuerzas hidrológicas que dan forma a la Tierra.

La sutil insinuación de un “pocito” en la pintura como el canal a través del cual la Mona Lisa emerge a la conciencia reposiciona la pintura por completo en el discurso cultural.

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Este ya no es un retrato simplemente secular, sino algo espiritualmente más complejo.

Las representaciones de mujeres “en el pozo” son un elemento básico a lo largo de la historia del arte occidental.

Las historias del Antiguo Testamento de Eliezer encontrándose con Rebeca en un pozo y de Jacob con Rachel en el pozo se hicieron especialmente populares en los siglos XVII, XVIII y XIX, ya que todos, desde Bartolomé Esteban Murillo hasta Giovanni Antonio Pellegrini, de Giovanni Battista Tiepolo a William Holman Hunt, probaron suerte con estas narraciones.

Además, las representaciones apócrifas de la Anunciación en el Nuevo Testamento (el momento en que el arcángel Gabriel informa a la Virgen María que dará a luz a Cristo) junto a un manantial fueron habituales entre los ilustradores de manuscritos medievales, e incluso pueden haber inspirado el retrato más antiguo que sobrevive de María.

Como emblema infinitamente elástico, como sugiere Walter Pater, la Mona Lisa es sin duda capaz de absorber y reflejar todas esas resonancias y muchas más. No hay nadie que ella no sea.

“Agua viva”

Pero quizás el paralelo más pertinente entre la Mona Lisa de Da Vinci y los precursores pictóricos es uno que se puede dibujar con las muchas representaciones de un episodio bíblico en el que Jesús se encuentra en un pozo manteniendo una conversación críptica con una mujer de Samaria.

En el Evangelio de San Juan, Jesús hace una distinción entre el agua que se puede extraer del manantial natural -agua que inevitablemente dejará a uno “sediento”- y el “agua viva” que él puede proporcionar.

Mientras el agua de un pozo sólo puede sostener un cuerpo perecedero, el “agua viva” es capaz de saciar el espíritu eterno.

Las notables representaciones de la escena del pintor italiano medieval Duccio di Buoninsegna y del maestro renacentista alemán Lucas Cranach el Viejo tienden a sentar a Jesús directamente en la pared del pozo, lo que sugiere su dominio sobre los elementos fugaces de este mundo.

Sin embargo, al colocar a su modelo metafóricamente dentro del pozo, Da Vinci confunde la tradición y sugiere, en cambio, una fusión de los reinos materiales y espirituales, una difuminación del aquí y del más allá, en un plano compartido de creación eterna.

En la apasionante narrativa de Da Vinci, la Mona Lisa es ella misma una milagrosa ola de “agua viva”, serenamente contenta al ser consciente de su propia e intensa infinitud.

Lee la historia original en inglés en BBC Culture.

Actualmente esta rama del arte lo ha llevado a retratar con la técnica de carboncillo a distintos deportistas nacionales e internacionales y a otros personajes famosos.

A corta edad mostró su talento en el seno familiar donde causó alegría y asombro. Su abuela fue la primer persona que notó su don.

Con el pasar de los años ha desarrollado su talento al ponerlo en práctica con distintas técnicas de pintura.

Ha retratado a deportistas como Kevin Cordón y Juan Carlos Plata. David, el “Gato” Guerra fue el primer deportista a quién retrató, afirma Elías.